Simon Ebeling

Alles steht Kopf 2 Alles steht Kopf 2 (Originaltitel: Inside Out 2) ist ein US-amerikanischer Computeranimationsfilm und die Fortsetzung von Alles steht Kopf. Regie führte Kelsey Mann, während Mark Nielsen als Produzent fungierte und Meg LeFauve sowie Dave Holstein das Drehbuch schrieben. Der Film wurde von den Pixar Animation Studios produziert und von Walt Disney Studios Motion Pictures vertrieben. Der deutschsprachige Kinostart war am 13. Juni 2024, die US-Kinopremiere am darauffolgenden Tag. Kurze Zusammenfassung Riley durchlebt die turbulenten Wirren der Pubertät, während ihre Emotionen in ihrem Kopf um die Kontrolle ringen. Zweifel übernimmt die Schaltzentrale und verdrängt Freude sowie die anderen Ur-Emotionen. Das bleibt nicht ohne Konsequenzen, während Riley wichtige Entscheidungen treffen muss – unter anderem ihre Aufnahme ins Eishockey-Team. Kritik Der erste Teil von Alles steht Kopf gehört für mich zu den besten Pixar-Filmen überhaupt. Umso erfreulicher ist es, dass die Fortsetzung das Original sogar übertrifft – sie ist noch berührender und tiefgründiger. Der Film greift gekonnt die Veränderungen auf, die die Pubertät mit sich bringt, und führt neue Emotionen ein: Zweifel, Neid, Scham und "Kein Bock". Zweifel sticht dabei als klarer Szenendieb hervor. Er ist zwar irgendwo der Antagonist, will aber dennoch nur das Beste für Riley. Der Film thematisiert eindrucksvoll, was passiert, wenn wir unsere Ur-Emotionen – Freude, Angst, Ekel, Traurigkeit und Wut – unterdrücken, und zeigt, wie sie langsam wieder ihren Platz finden. Im ersten Akt setzt der Film vor allem auf humorvolle Szenen, die gut funktionieren, jedoch anfangs etwas an emotionaler Tiefe vermissen lassen. Doch spätestens im zweiten Akt erreicht der Film eine Intensität, die einen tief berührt. Es gibt Momente, die die Seele treffen und zu Tränen rühren. Die Animationen und neuen Charakterdesigns sind absolut fantastisch. Besonders hervorzuheben ist der Theme Song von Nadav Schneider, der im Finale für Gänsehaut sorgt. Die zentrale Botschaft des Films ist wichtig und universell: Lass dich nicht von Ängsten und Zweifeln leiten. Der Film zeigt ehrlich, dass das Erwachsenwerden nicht einfach ist und Freude manchmal in den Hintergrund tritt. Diese Reflexion macht ihn besonders für Erwachsene berührend, während Kinder sich an den lustigen Charakteren und bunten Bildern erfreuen können. Alles steht Kopf 2 ist ein beeindruckender Animationsfilm, der zeigt, wie großartig Kino sein kann. Er bietet Unterhaltung für Kinder, aber auch Tiefe und Emotionen, die Erwachsene besonders ansprechen. Der einzige Kritikpunkt ist, dass die neuen Emotionen – mit Ausnahme von Zweifel – zu wenig Raum bekommen und eher für humorvolle Momente genutzt werden. Ich kam aus dem Kino und hatte das Gefühl geradezu eine wiederbeleben des Kinos erlebt zu haben. Ein Animationsfilm für Kinder, der besser und tiefer ist als manches was heutzutage für Erwachsene so raus kommt. Ob Pixar einen dritten Teil plant, bleibt abzuwarten. Eine neue, großartige Trilogie à la Toy Story wäre durchaus wünschenswert.

"Monster: Die Geschichte von Jeffrey Dahmer" Die erste Staffel der Serie "Monster" widmet sich dem Leben eines der berüchtigtsten Serienkiller aller Zeiten: Jeffrey Dahmer. In zehn Episoden wird seine Geschichte erzählt – schonungslos und ungeschönt. Besonders lobenswert ist, dass die Gewalt nicht verharmlost wurde und Dahmer als das Monster dargestellt wird, das er war. Auch die Perspektive der Opfer und ihrer Familien kommt zur Sprache, was in True-Crime-Inhalten oft zu kurz kommt. Evan Peters brilliert in der Rolle Dahmers und zeigt, was für ein herausragender Schauspieler er ist. Auch die anderen Darsteller, wie Niecy Nash als Dahmers Nachbarin Glenda Cleveland oder Richard Jenkins als sein Vater, liefern beeindruckende Leistungen. Die Kameraarbeit und Inszenierung, insbesondere die unheimlichen Szenen in Dahmers Wohnung, schaffen eine beklemmende Atmosphäre. Der Zuschauer wird immer wieder dazu angeregt, über eigene Reaktionen in solchen Situationen nachzudenken. Obwohl die Serie weitgehend historisch korrekt ist, gibt es kleinere Abweichungen, etwa Glenda Clevelands Wohnsituation oder Dahmers Brille im Gerichtssaal. Die erste Folge ist intensiv und fesselnd, aber danach verliert die Handlung deutlich an Tempo. Viele Episoden ziehen sich, und zehn Folgen sind schlicht zu viel. Trotz starker Elemente – wie die schauspielerischen Leistungen und die Inszenierung – bleibt die Serie insgesamt enttäuschend. (3 Sterne) "Monsters: Die Geschichte von Lyle und Erik Menendez" Die quasi zweite Staffel von "Monster" beleuchtet den weniger bekannten Fall der Brüder Lyle und Erik Menendez, die ihre Eltern erschossen haben. Dieser Fall sorgte vor allem in den USA für große mediale Aufmerksamkeit, da der Prozess erstmals live übertragen wurde. Die Serie zeigt vielschichtige Charaktere und Perspektiven, wobei der Fokus auf den Ereignissen nach dem Mord liegt. Die ersten beiden Folgen wirken fast wie eine Satire auf das Leben reicher Leute, doch ab Folge drei nimmt die Serie eine drastische Wendung. Das Thema sexueller Missbrauch rückt ins Zentrum und entfaltet eine schwere, bittere Dramatik. Besonders beeindruckend ist die fünfte Episode, die fast 40 Minuten lang eine einzige Kameraeinstellung nutzt – eine meisterhafte Inszenierung, die Preise verdient. Die Hauptdarsteller überzeugen mit nuancierten Leistungen, insbesondere in ihrer Darstellung der Ambivalenz der Brüder. Die Zuschauer werden mit der Ungewissheit zurückgelassen, was wirklich passiert ist, was die Serie umso eindringlicher macht. Javier Bardem als José Menendez und das übrige Ensemble sind ebenfalls hervorragend. Kameraarbeit, Schnitt und Regie sorgen dafür, dass die Serie durchweg spannend bleibt – im Gegensatz zur ersten Staffel. Obwohl es Kritik von Seiten der Brüder und Teilen des Publikums gibt, die sich über eine einseitige Darstellung beschweren, bleibt die Serie ambivalent und regt zum Nachdenken an. Eine großartige Produktion, die sich nicht scheut, schwere Themen aufzugreifen (5 Sterne). Die dritte Staffel soll sich um Ed Gein drehen, dargestellt von Charlie Hunnam. Es bleibt spannend, wie die Serie dieses Thema umsetzen wird.

Girl You Know It’s True Girl You Know It’s True ist ein biografisches Filmdrama über den Aufstieg und Fall des 1980er-Jahre-Popduos Milli Vanilli, inszeniert von Simon Verhoeven. Der Film startete am 21. Dezember 2023 in den deutschen Kinos, dauert 2 Stunden und 4 Minuten und ist ab 12 Jahren freigegeben. Kurze Zusammenfassung: Das R&B-Duo Milli Vanilli wird in den späten 1980er-Jahren weltberühmt und gewinnt sogar einen Grammy. Doch als bekannt wird, dass die beiden keinen einzigen der von Frank Farian produzierten Songs selbst eingesungen haben, kommt es zu einem der größten Skandale der Musikgeschichte. Sie müssen ihren Grammy zurückgeben, und die Käufer ihrer Alben erhalten eine Entschädigung. Damit ist die Karriere der beiden Musiker beendet, und ihre Songs sind bis heute mit einem bitteren Beigeschmack behaftet. Kritik: Als ich mit meiner Familie ins Kino ging, um diesen Film zu sehen, war ich zunächst skeptisch. Der Trailer zu Girl You Know It’s True wirkte auf mich eher abschreckend und erinnerte mich an typisch deutsche Produktionen, die manchmal schlichtweg cringy wirken – ähnlich wie viele Filme von Till Schweiger. Doch im Kino wurde ich positiv überrascht: Dieser Film hat mich wirklich mitgerissen. Obwohl mir der Name „Milli Vanilli“ vorher nichts sagte und ich von diesem riesigen Skandal noch nie gehört hatte, fand ich die Geschichte faszinierend und tragisch zugleich. Der Film ist eher ein Biopic als eine Komödie, was definitiv die richtige Entscheidung war. Nach dem Kinobesuch habe ich mir noch die Milli Vanilli-Dokumentation auf Paramount Plus angesehen, die das Thema etwas tiefer behandelt. Denn eines muss man sagen: Der Film bleibt an der Oberfläche. Er ist in erster Linie ein Unterhaltungsprodukt und verzichtet darauf, die Ereignisse nach dem Skandal intensiv zu beleuchten. Besonders der tragische Tod von Rob Pilatus wird nur am Rande erwähnt, vermutlich um den Zuschauer nicht allzu bedrückt zurückzulassen. Dennoch gelingt es dem Film, eine Achterbahn der Gefühle zu inszenieren. Der extreme Aufstieg und der ebenso extreme Fall des Duos sind spürbar – das macht ihn gleichzeitig mitreißend und berührend. Die beiden Hauptdarsteller fand ich großartig. Sie sehen ihren Vorbildern nicht nur verblüffend ähnlich, sondern verkörpern sie auch überzeugend. Matthias Schweighöfer als Frank Farian hat mich ebenfalls positiv überrascht. Einziger kleiner Kritikpunkt: Die Perücke, die er trägt, wirkt nicht besonders authentisch. Hier wäre etwas mehr Feinschliff wünschenswert gewesen. Trotzdem ist Girl You Know It’s True ein sehenswerter Film, der Spaß macht und den man sich durchaus mehrmals anschauen kann. Wer allerdings eine tiefere Auseinandersetzung mit den Ereignissen sucht, sollte sich unbedingt die erwähnte Dokumentation ansehen, die noch deutlicher zeigt, was hinter den Kulissen und nach dem Skandal geschah. Endlich mal wieder ein deutscher Film, der wirklich unterhält!

My Lady Jane My Lady Jane ist eine Fernsehserie aus dem Jahr 2024 mit Emily Bader als Lady Jane Grey, Edward Bluemel als Lord Guildford Dudley und Jordan Peters als König Eduard. Die Serie basiert auf dem Roman My Lady Jane aus der Buchreihe The Lady Janies von Cynthia Hand, Brodi Ashton und Jodi Meadows. Unter der Regie von Jamie Babbit und Stefan Schwartz sowie dem Drehbuch von Gemma Burgess, erzählt die Serie die lose historische Geschichte von Lady Jane Grey. Handlung: Lady Jane Grey, zunächst gegen ihre arrangierte Ehe mit Lord Guildford Dudley, entwickelt mit ihm eine starke Romanze. Über Nacht wird sie zur Königin gekrönt und gerät ins Visier von Intrigen und tödlichen Bedrohungen. Im Gegensatz zur historischen Realität endet die Serie mit einer positiven Wendung: Jane rettet sich und das Königreich. Die Serie spielt in einer mittelalterlichen Fantasy-Welt, in der "Wandler" – Menschen, die sich in Tiere verwandeln können – verfolgt werden. Kritik: Die Serie könnte den ein oder anderen an Bridgerton erinnert, bietet jedoch ein humorvolleres Konzept. Besonders gelungen ist die Entwicklung der Figuren: Jane und Guildford starten als Feinde und wachsen zu einem starken Paar zusammen. Auch die Nebenfiguren wie Janes Mutter, ihre Schwestern und Guildfords Familie sind gut erzählt und bleiben im Gedächtnis. Die Ausstattung, Kostüme und hochwertige Inszenierung sind großartig. Die Serie ist leicht, humorvoll und unterhaltsam, behandelt ernste Themen wie Verfolgung jedoch nur oberflächlich. Ein Kritikpunkt ist die Darstellung von Prinzessin Mary, gespielt von Kate O’Flynn, die durch übertriebenes Schauspiel häufig aus der Illusion der Serie reißt. Ein weiteres Problem ist die Erzählerstimme. Es gibt immer wieder Szenen wo uns ein Erzähler, also eine Stimme aus dem off uns Janes Gefühle erklärt. Das hat wirklich genervt da man Janes Gefühle und Emotionen auch so gut erfühlen konnte. Diese Erzählerstimme hätte man komplett weg lassen können. Leider endet die Serie abrupt, da sie nach der ersten Staffel abgesetzt wurde. Fans haben eine Petition für eine Fortsetzung gestartet, die das unbefriedigende Ende auflösen könnte. Trotz kleiner Schwächen bleibt My Lady Jane eine empfehlenswerte Serie voller Witz, Romantik und spannender Intrigen – perfekt für einen Gute-Laune-Binge.

Kritik zur Serie „Shōgun“ (2024) Die Serie Shōgun, basierend auf dem gleichnamigen Roman von James Clavell, beeindruckt auf vielen Ebenen und entführt die Zuschauer in das Japan des 16. Jahrhunderts. Trotz anfänglicher Vergleiche mit Game of Thrones schafft es Shōgun, sich klar zu unterscheiden und mit einem einzigartigen Ansatz zu überzeugen. Kurze Zusammenfassung: Die Serie spielt in Japan des 16. Jahrhunderts. Fürst Yoshi Toranaga ist Teil einer Allianz von Regenten auf den Thron, nachdem er große Herrscher kürzlich verstorben ist. Er wird jedoch aus dieser Allianz ausgeschlossen, gegen ihn wird intrigiert. Während ein Mann namens John Blackthorne, ein Navigator eines englischen Schiffes, der in einem japanischen Fischerdorf strandet und auf ein mal Teil dieser japanischen Kultur wird. Er bringt Wissen mit das durchaus auch gefährlich sein kann und einzigartig ist für Toranaga und seine Gegner. Und Toranaga nutzt diesen aus um sein eigenes Leben zu retten und sich gegen seinen Feind, einen Mann namens Ishido Kazunari, der gegen ihn intrigiert um selber der große Herrscher, der Shogun zu werden, zu behaupten. Es geht also um politische Intrigen, verschiedenste Charaktere und die Bedeutung von Leben und Tod. Eines der größten Highlights ist die visuelle Gestaltung. Die Serie bietet atemberaubende Landschaftsaufnahmen, detailreiche Kostüme und eine authentische Darstellung der historischen japanischen Kultur. Die Welt wirkt lebendig und bis ins kleinste Detail durchdacht. Allein durch diese Inszenierung wird die Serie zu einem Erlebnis. Hinzu kommen faszinierende Charaktere, allen voran Yoshi Toranaga, gespielt von Hiroyuki Sanada. Toranaga ist eine moralische Grauzone – weder eindeutig gut noch vollständig böse. Seine komplexen Handlungen, vor allem im Finale, werfen viele moralische Fragen auf. Auch John Blackthorne, ein englischer Navigator, und Lady Mariko, eine tragische und tiefgründige Figur, tragen entscheidend zur Spannung bei. Lady Mariko fungiert zudem als moralischer Anker der Serie und erlebt besonders gegen Ende eine beeindruckende Charakterentwicklung. Die Handlung ist komplex, spannend und durchweg fordernd. Die Serie hält den Zuschauer mit Intrigen, politischen Ränkespielen und intensiven Konflikten in Atem. Gewalt wird nicht gescheut, was die Dramatik erhöht, aber auch nichts für schwache Nerven ist. Gleichzeitig beleuchtet Shōgun den kulturellen und religiösen Konflikt zwischen Japan und den katholischen Europäern, was der Handlung zusätzliche Tiefe verleiht. Kleine Kritikpunkte gibt es dennoch. Die Pilotfolge ist mit über 70 Minuten etwas lang und inhaltlich verwirrend. Erst mit der zweiten Folge nimmt die Serie richtig Fahrt auf. Doch von da an steigert sich die Spannung kontinuierlich, ohne zwischendurch an Tempo zu verlieren – selbst im Mittelteil, wo andere Serien oft nachlassen. Insgesamt ist Shōgun eine meisterhafte Inszenierung, die historische Genauigkeit, starke Charaktere und eine komplexe, spannende Handlung vereint, obwohl dort zu min. 95 & auf Japanisch gesprochen wird und man sehr viel Untertitel lesen muss. Sie fordert den Zuschauer, belohnt aber mit einer faszinierenden und packenden Reise.

Arcane ist eine animierte Serie aus dem Jahr 2021, die im League-of-Legends-Universum spielt. Produziert von Riot Games und dem französischen Animationsstudio Fortiche Production, erzählt sie die Vorgeschichte des Spiels und beleuchtet die Entstehungsgeschichten mehrerer Charaktere aus den Stadtteilen Piltover und Zaun. Die Serie begeistert sowohl langjährige Fans des Spiels als auch Neulinge. Handlung: In Piltover, einer geteilten Stadt mit einem wohlhabenden oberen Bezirk und einer düsteren Unterstadt, wachsen die Waisenkinder Vi und Powder bei ihrem Ziehvater Vander auf. Ein riskanter Raubzug löst eine Reihe von Ereignissen aus, die nicht nur die Beziehung der Schwestern, sondern das Schicksal der gesamten Stadt beeinflussen. Das Netflix-Abonnement lohnt sich endlich wieder. In letzter Zeit ließen viele der Eigenproduktionen des Streaming-Dienstes zu wünschen übrig. Insbesondere Werke wie Atlas und ähnliche Filme überzeugten kaum und sind kaum erwähnenswert. Im Bereich der Animationsserien hingegen konnte Netflix in den vergangenen Jahren beeindruckende Erfolge verzeichnen. Produktionen wie BoJack Horseman oder Castlevania setzten Maßstäbe. Besonders hervorzuheben ist jedoch Arcane, eine der besten Serien der letzten Jahre. Diese Serie gilt als eine herausragende Videospieladaption und etablierte sich noch vor Erfolgen wie The Last of Us oder Fallout, die später von Kritikern und Fans gleichermaßen gefeiert wurden. Arcane hat bewiesen, dass Videospielverfilmungen sowohl komplex als auch anspruchsvoll sein können. Stärken der Serie: Arcane überzeugt mit einer atemberaubenden Animation, die 3D- und handgezeichnete Elemente meisterhaft kombiniert und neue Standards setzt. Die komplexe Story, die sich um den Konflikt zwischen den reichen Bewohnern Piltovers und den verarmten Menschen der Unterstadt dreht, vermeidet einfache Klischees. Beide Seiten werden differenziert dargestellt, und die Serie lebt von ihren Grauzonen und vielschichtigen Charakteren. Die Figuren – von Vi (Hailee Steinfeld) und Jinx (Ella Purnell) bis zu Nebencharakteren wie Vander oder Caitlyns Mutter – sind tiefgründig und bleiben im Gedächtnis. Besonders beeindruckend ist die Darstellung starker Frauenfiguren, ohne in klischeehafte „Girlboss“-Darstellungen zu verfallen. Staffel 2: Obwohl das Finale gelungen ist, wirkt die zweite Staffel stellenweise gehetzt. Ruhige Momente fehlen, und einige Charaktere sowie emotionale Szenen hätten mehr Raum verdient. Die Musikvideo-artigen Sequenzen polarisieren, bieten aber oft ein besonderes Highlight. Fazit: Trotz kleiner Schwächen ist Arcane nahezu ein Meisterwerk. Animation, Synchronsprecher und Storytelling sind auf höchstem Niveau. Die Serie setzt Maßstäbe für Videospielverfilmungen und ist ein Muss für Erwachsene, die anspruchsvolle Unterhaltung suchen. Die Erwartungen an kommende Spin-offs sind entsprechend hoch.

Mrs. Davis ist eine US-amerikanische Science-Fiction-Comedy-Drama-Miniserie, entwickelt von Tara Hernandez und Damon Lindelof für Peacock. In der Serie spielt Betty Gilpin eine Nonne, die auf der Suche nach dem Heiligen Gral ist. Die Nebendarsteller umfassen Jake McDorman, Margo Martindale, David Arquette und Elizabeth Marvel. Die Premiere fand im März 2023 auf dem SXSW-Festival statt, bevor sie im April auf Peacock veröffentlicht wurde. Handlung: Die Serie dreht sich um den Konflikt zwischen Glauben und Technologie. Die KI „Mrs. Davis“ schickt die Nonne Simone (Betty Gilpin) auf eine abenteuerliche Mission, die von biblischen und technologischen Themen geprägt ist. Kritik: Mrs. Davis war für mich eine positive Überraschung. Trotz geringer Promotion fesselt die Serie mit ihrer Mischung aus Comedy und Drama. Besonders die Figur Wiley (Jake McDorman) bringt sowohl Humor als auch Tragik ein. Simone selbst ist eine gut geschriebene, vielschichtige Hauptfigur, die durch Betty Gilpins Leistung lebendig wird. Ihr Abenteuer auf der Suche nach dem Heiligen Gral erinnert an klassische Abenteuerfilme und bleibt durchgehend spannend. Die Serie behandelt das Thema KI differenziert, zeigt sowohl ihre Kontrolle über die Menschen als auch ihre emotionale Dimension. Die KI „Mrs. Davis“ ist fast eine eigene Figur, der man stellenweise sogar Mitgefühl entgegenbringt. Auch die Charakterentwicklung überzeugt: Simone und ihre Mutter Celeste (Elizabeth Marvel) finden nach Konflikten wieder zueinander und verarbeiten gemeinsam ihre Vergangenheit. Die Serie bietet nicht nur rasante Handlung, sondern auch ruhige, tiefgründige Momente. Die Religionskritik bleibt etwas oberflächlich, besonders in Folge 3, wo Simones Verbindung zu Jesus thematisiert wird. Obwohl interessante Punkte angesprochen werden, konzentriert sich die Serie stärker auf das KI-Abenteuer. Positiv ist, dass sie keine christliche Propaganda betreibt, sondern kritisch reflektiert. Insgesamt bietet Mrs. Davis ein unterhaltsames, absurdes Abenteuer mit gut ausgearbeiteten Figuren und einem gelungenen Ende. Man merkt der Serie auch an, dass sie Hochwertig produziert ist. Denn die Sets und Kostüme sind alle wirklich fantastisch

The Last of Us The Last of Us ist eine US-amerikanische postapokalyptische Serie, basierend auf dem gleichnamigen Videospiel. Produziert von Sony Pictures Television und PlayStation Productions, handelt es sich um die erste Videospielverfilmung von HBO. Die Serie startete am 15. Januar 2023 in den USA und einen Tag später in Deutschland auf WOW. Eine zweite Staffel ist für 2025 geplant. Die Serie folgt dem abgebrühten Joel (Pedro Pascal), der die 14-jährige Ellie (Bella Ramsey) quer durch ein zerstörtes Amerika schmuggeln soll. Doch dieser vermeintlich einfache Auftrag entwickelt sich zu einer dramatischen Reise, bei der die beiden aufeinander angewiesen sind, um zu überleben. Lob und Kritik Ich hatte das Spiel nie gespielt, wusste jedoch um dessen Ruf und war daher skeptisch, da Videospielverfilmungen 2023 noch einen schlechten Ruf hatten. Doch The Last of Us überraschte viele und bewies, dass solche Umsetzungen erfolgreich sein können, was auch den Weg für kommende Produktionen wie die Fallout-Serie ebnete. Die Serie erhielt breites Lob, das ich jedoch nicht vollständig teile. Sie hat unbestreitbare Stärken: Die Inszenierung und Schauwerte sind herausragend, von überwucherten Städten bis hin zu beeindruckenden Landschaften. Auch die Gestaltung der Klicker und Monster ist großartig, und sie werden gekonnt und dosiert eingesetzt, was ihre Auftritte besonders bedrohlich macht. Das menschliche Drama steht im Vordergrund und zeigt, dass die wahren Gefahren oft die Menschen selbst sind. Herausragend sind Pedro Pascal und Bella Ramsey, die als Joel und Ellie eine beeindruckende Chemie und schauspielerische Tiefe beweisen. Allerdings hatte ich einige Probleme mit der Serie. Die Handlung hält sich zu sehr an das Originalspiel, wodurch viel Spannung verloren geht, da der Ablauf vorhersehbar ist. Die Serie war am stärksten, wenn sie neue Geschichten erzählte, wie in der Episode über Bill und Frank oder in den erweiterten Geschichten von Henry und Sam. Diese Abweichungen waren erfrischend, nahmen jedoch gleichzeitig den Fokus von Joel und Ellie, die ich lieber im Mittelpunkt gesehen hätte. Ein weiteres Manko war die geringe Präsenz der Klicker. Trotz ihrer bedrohlichen Darstellung wirken sie in der Serie nicht als allumfassende Gefahr, was die Endzeitstimmung schwächt. Auch die Varianten der Infizierten, wie der Bloater in Folge 5, blieben hinter ihren Möglichkeiten zurück. Solche Gegner sind im Spiel eine echte Herausforderung, doch in der Serie fehlt dieser Eindruck. Der hat einen kurzen Auftritten und nicht eine Konfrontation mit Joel oder Ellie. Was wirklich verschenktes Potenzial ist. Insgesamt finde ich The Last of Us gut, aber überbewertet. Trotz beeindruckender Stärken und gelungener Momente hat mich die Serie nicht überwältigt. Ich habe sie gerne geschaut, aber sie konnte meine hohen Erwartungen nicht vollständig erfüllen.

Godzilla: Minus One (japanisch ゴジラ-1.0, Gojira Mainasu Wan) ist ein Kaijū-Actionfilm von Takashi Yamazaki aus dem Jahr 2023, der zugleich Regie führte und das Drehbuch schrieb. Der Film ist der 33. Teil der Toho-Reihe um die Riesenechse Godzilla und gewann unter anderem den Oscar 2024 für die besten visuellen Effekte. Kurze Zusammenfassung: Die Handlung spielt kurz nach dem Zweiten Weltkrieg. Der Soldat Kōichi (Ryūnosuke Kamiki), ein traumatisierter Kamikaze-Pilot, der einst desertierte, bekommt die Gelegenheit, seine Schuld wiedergutzumachen, als Godzilla aus dem Meer auftaucht und eine massive Bedrohung für Japan darstellt. Kritik: Im Gegensatz zu den amerikanischen Monsterverse-Filmen kehrt Godzilla: Minus One zu den Wurzeln der Godzilla-Saga zurück, in der das Monster die Verkörperung der Angst vor der atomaren Zerstörung ist, wie im Originalfilm von 1954. Der Fokus liegt auf den menschlichen Figuren, besonders auf Kōichi, der durch eine eindrucksvolle und emotionale Charakterentwicklung besticht. Die anderen menschlichen Charaktere sind ebenfalls gut ausgearbeitet und großartig gespielt, was den Film besonders immersiv macht. Trotz seiner Länge von 2 Stunden und 18 Minuten bleibt der Film spannend und logisch, auch wenn es gegen Ende einige unplausible Momente gibt. Godzilla selbst hat weniger Screentime, ist aber eine eindrucksvolle Bedrohung, und seine Auftritte sind packend, besonders die Szenen mit dem langsam aufleuchtenden Atomstrahl. Die Zerstörung von Ginza ist atemberaubend inszeniert, was die Oscar-prämierten visuellen Effekte verdient macht. Einziges Manko sind die gelegentlich etwas roboterhaften Bewegungen Godzillas. Der Soundtrack, der Akira Ifukubes ikonisches Godzilla-Thema aufgreift, steigert die Spannung enorm. Zusammen mit einer beeindruckenden Soundkulisse und grandioser Kameraarbeit wird Godzilla: Minus One zu einem Muss für jeden Godzilla-Fan. Der Film ist weit mehr als bloßes Popcornkino und zeigt eindrucksvoll, warum Godzilla ein so bedeutendes kulturelles Phänomen ist. Ein potenzielles Sequel scheint möglich, und es bleibt die Hoffnung, dass dies nicht der letzte japanische Godzilla-Film war.

Ghostbusters: Frozen Empire ist eine Fortsetzung von Ghostbusters: Legacy (2021), inszeniert von Gil Kenan. Der Film begleitet die Spengler-Familie, die nach New York zurückkehrt, um in der legendären Feuerwache zusammen mit den Geisterjägern der ersten Generation ein revolutionäres Forschungslabor zu betreiben. Doch als ein uraltes Artefakt eine böse Macht entfesselt, müssen alte und neue Geisterjäger die Welt vor einer drohenden Eiszeit retten. Kritik: Ghostbusters: Frozen Empire enttäuscht trotz einiger starker Ansätze und verspricht nicht das erhoffte Niveau von Ghostbusters: Legacy. Während die Besetzung großartig spielt, insbesondere Mckenna Grace als Phoebe Spengler, bleibt der Film aufgrund einer überfrachteten Handlung und einem unausgewogenen Charakterfokus hinter den Erwartungen zurück. Einer der Hauptkritikpunkte ist die schiere Menge an Figuren: Neben der Spengler-Familie und den drei originalen Geisterjägern tauchen auch Mr. Grooberson (Paul Rudd), Janine Melnitz, Podcast, Lucky, sowie zwei neue Charaktere (gespielt von Kumail Nanjiani und James Acaster) auf. Diese Vielzahl an Charakteren führt dazu, dass die meisten kaum zur Geltung kommen und unterentwickelt bleiben. Figuren wie Trevor, der in Ghostbusters: Legacy noch überzeugen konnte, wirken hier nervig und unbedeutend, während andere, wie Grooberson und Carrie Coons Figur, kaum etwas zur Handlung beitragen. Selbst die legendären Original-Geisterjäger erscheinen blass und ohne den erwarteten Humor oder die Energie, und Bill Murray wirkt in seinen wenigen Szenen sichtlich gelangweilt. Auch die Action- und Spannungsmomente können nicht überzeugen. Das Finale ist unaufregend und schafft es nicht, echte Dramatik oder Gefahr zu erzeugen. Der Bösewicht, der Eis-Dämon Garrakha, ist ebenfalls eine große Enttäuschung: Seine wenigen Auftritte sind unspektakulär, und sein Design – ein graues Wesen mit Hörnern und Krallen – bleibt kaum im Gedächtnis. Er ist weder charismatisch noch bedrohlich und wirkt wie eine verpasste Chance, zumal der Trailer bereits zu viel über ihn verrät. Trotzdem hat der Film einige positive Elemente: Die Inszenierung ist eindrucksvoll, insbesondere die Szenen, in denen New York unter einer Eisschicht erstarrt. Auch Phoebes Geschichte und ihre Freundschaft mit dem Geist Melody sind berührend und interessant. Leider reicht das nicht aus, um die strukturellen Schwächen und die ungenutzte Tiefe der Charaktere auszugleichen. Mit einer stärkeren Fokussierung auf Phoebe und weniger Nebenhandlungen hätte Ghostbusters: Frozen Empire ein weitaus besserer Film sein können. Letztlich bleibt er jedoch ein unausgegorenes Erlebnis mit einigen Highlights, aber vielen enttäuschenden Momenten.