Moises Macready

Bong Joon-ho, em Memórias de um Assassino, redefine o thriller policial ao construir uma narrativa que transcende o gênero e se torna uma profunda reflexão sobre moralidade, justiça e a falibilidade humana. Baseado em eventos reais que marcaram a Coreia do Sul, o filme não apenas relata uma investigação, mas também lança um olhar crítico sobre os dilemas éticos de seus personagens e o sistema que eles representam. O roteiro, escrito pelo próprio Bong, é uma obra-prima de construção narrativa. A trama segue os detetives Park Doo-man (Song Kang-ho), Seo Tae-yoon (Kim Sang-kyung) e Cho Young-koo (Kim Roi-ha), cada um representando abordagens distintas de investigação. Park, com sua crença ingênua na intuição; Seo, com sua dependência metódica em evidências; e Cho, que adota a brutalidade como método, são peças de um jogo psicológico intenso. A dinâmica entre esses três personagens é o coração pulsante do filme, evidenciando os conflitos internos de uma sociedade em crise moral. O trabalho de direção de Bong Joon-ho é impecável, demonstrando um controle absoluto sobre o ritmo e o tom. Ele constrói a tensão de maneira crescente, mas evita o sensacionalismo, optando por momentos mais sutis e psicológicos para prender o espectador. Sua habilidade em integrar toques de humor em uma narrativa pesada é um testemunho de sua sensibilidade como cineasta, nunca comprometendo o peso emocional da trama. As atuações são um dos maiores destaques. Song Kang-ho entrega uma performance magistral, oscilando entre arrogância e vulnerabilidade, enquanto Kim Sang-kyung encarna a determinação inabalável de um homem preso entre sua ética e o desespero de capturar o assassino. Kim Roi-ha, por sua vez, traz uma intensidade perturbadora que ilustra o lado mais sombrio da polícia. Juntos, o trio cria personagens que não apenas reagem aos eventos, mas também evoluem, tornando-se reflexos do impacto que o caso tem em suas vidas. O filme também se destaca por subverter as convenções do gênero policial. Ao invés de oferecer uma resolução clara, Memórias de um Assassino desafia as expectativas ao apresentar uma investigação marcada por erros, falhas e incertezas. Essa abordagem realista é incomum, mas poderosa, e culmina em um dos finais mais marcantes do cinema moderno. O olhar direto para a câmera no clímax não apenas quebra a quarta parede, mas serve como um lembrete sombrio da impotência frente ao mal e da dor não resolvida de uma sociedade marcada por injustiças. Se há algo a criticar, seria o ritmo mais lento em alguns momentos, que pode testar a paciência de espectadores menos acostumados com narrativas focadas no desenvolvimento de personagens. No entanto, essa escolha narrativa é justificada pela profundidade emocional e temática que o filme entrega.

"M3GAN" prometia ser um thriller tecnológico misturado com terror, mas o resultado ficou aquém das expectativas. O conceito de uma boneca hiperinteligente que ultrapassa os limites de sua programação é interessante, mas a execução não convence, principalmente no gênero de terror. O filme entrega momentos de suspense pontuais, mas falha em manter uma atmosfera assustadora ou impactante. A trama central, que explora a obsessão de proteção de M3GAN e como isso a leva a cometer atos extremos, possui boas intenções ao levantar questões sobre dependência tecnológica e criação infantil. Porém, esses temas são tratados de forma superficial, com diálogos e situações que muitas vezes parecem apressados ou sem peso. A principal falha está no roteiro, que subestima a lógica e a coerência. A incapacidade dos adultos de enfrentar uma boneca pequena é absurda e quebra a imersão. Isso tira qualquer senso de perigo real e acaba deixando o clímax mais cômico do que tenso. A solução final, nas mãos de uma criança, soa mais como uma conveniência de roteiro do que algo genuíno ou merecido. Por outro lado, há pontos positivos. A atuação de M3GAN, graças à mistura de efeitos visuais, físicos e à performance de Amie Donald (corpo) e Jenna Davis (voz), é eficaz e dá um ar perturbador à personagem. Além disso, o filme acerta ao ilustrar os perigos de deixar a tecnologia substituir relações humanas no cuidado e no desenvolvimento emocional de uma criança. No entanto, para um filme que se vende como terror, "M3GAN" mais parece um episódio estendido de uma série sobre dilemas tecnológicos. Não assusta, e sua história previsível deixa muito a desejar. Vale como entretenimento leve, mas não como uma experiência cinematográfica marcante. Se você busca um terror genuíno, "M3GAN" não é o filme.

O Poço 2 tenta resgatar a atmosfera sombria e alegórica do primeiro filme, mas tropeça ao exagerar na complexidade sem entregar substância. Enquanto o original tinha um conceito intrigante que provocava reflexões sobre desigualdade e moralidade, esta sequência parece uma tentativa apressada de capitalizar no sucesso anterior, sem o mesmo cuidado narrativo. Os personagens são pouco desenvolvidos, suas motivações muitas vezes não fazem sentido, e as atuações, embora esforçadas, são prejudicadas por um roteiro que oscila entre o óbvio e o absurdo. As "metáforas" que muitos defendem como o ponto alto do filme acabam sendo confusas e gratuitas, como se fossem colocadas apenas para soar profundo, mas sem real impacto emocional ou intelectual. Tecnicamente, o uso excessivo de slow motion e cenas longas e desconexas quebra o ritmo e torna o filme tedioso. O drama não é orgânico; ele parece forçado, com momentos que deveriam emocionar mas acabam irritando pela artificialidade. Além disso, a introdução de novos elementos, como as crianças e a “lei pela tortura”, parece mais uma tentativa desesperada de criar impacto do que algo realmente necessário à narrativa. Para um filme com pretensões filosóficas, ele falha em envolver o espectador ou transmitir mensagens de maneira coesa. No fim, O Poço 2 reforça a impressão de que foi um projeto preguiçoso e sem propósito, cuja única intenção foi surfar na onda do primeiro, mas sem capturar a essência que o tornava único. Em suma o filme que tenta parecer profundo, mas entrega superficialidade. Só vale a pena assistir se você realmente quer formar sua própria opinião, mas não espere muito.

"A Garota da Vez" é um exemplo claro de como uma execução equivocada pode desperdiçar um material promissor. Baseado em fatos reais, o filme tinha todos os elementos para se tornar um thriller psicológico marcante e um drama impactante. No entanto, a direção de Anna Kendrick falha em capturar a gravidade e as nuances do caso real, optando por uma abordagem simplificada que prejudica a experiência como um todo. A atuação de Kendrick é competente, mas não marcante. Sua escolha de dirigir e protagonizar o filme parece ter diluído sua performance. A personagem principal, que deveria ser um veículo de empatia para o espectador, é pouco explorada emocionalmente. As motivações e os dilemas dela são apresentados de maneira superficial, e isso limita a conexão emocional que o público poderia estabelecer. O maior problema, porém, está no roteiro. A narrativa se contenta em apresentar os eventos de forma genérica, sem investir no desenvolvimento de personagens. O antagonista, que deveria ser uma figura de fascínio ou repulsa, é deixado à margem. Não há um esforço real para explorar sua psique ou o impacto que suas ações tiveram nas vítimas e no contexto social ao redor. Isso enfraquece o impacto do filme, pois os crimes não parecem reais nem tão chocantes quanto deveriam ser. Tecnicamente, o filme tem momentos interessantes. A cinematografia é eficiente em criar uma atmosfera sombria, e a trilha sonora ajuda a manter a tensão em alguns pontos. Mas esses elementos isolados não conseguem sustentar uma narrativa fraca. Além disso, o curta duração do filme impede que ele desenvolva seu potencial, tornando-o uma experiência que começa e termina sem grandes marcas. Por fim, "A Garota da Vez" sofre de uma falta de identidade. Ele não sabe se quer ser um thriller comercial ou um estudo sério de um caso real. O resultado é um filme morno e esquecível, que não entrega a profundidade emocional e narrativa que a história merecia. Para uma obra baseada em fatos reais, isso é um erro difícil de ignorar.

"Don't Move" é uma tentativa falha de misturar terror psicológico e drama existencial, mas acaba afundando sob o peso de sua execução superficial e roteiro inconsistente. O filme traz Finn Wittrock, que, embora já tenha entregado performances memoráveis em outras produções, aqui parece estar lutando contra um roteiro sem direção e diálogos artificiais. A trama apresenta um sequestrador obcecado por reflexões filosóficas, o que seria uma ideia interessante se fosse bem explorada. No entanto, o filme se perde em longas conversas sobre o sentido da vida que não acrescentam à narrativa nem aprofundam os personagens. Essa tentativa de soar "profundo" rapidamente se torna cansativa e desconexa. O vilão carece de motivações claras, e suas ações parecem aleatórias, tornando difícil qualquer envolvimento emocional. A introdução da família dele, que poderia adicionar camadas à história, acaba sendo um elemento irrelevante e mal aproveitado. As cenas de suspense e ação são frustrantes. A morte do policial, por exemplo, é mal coreografada e incoerente, com decisões ilógicas que tiram qualquer tensão do momento. O desfecho também desafia a lógica interna do filme: a protagonista, que mal consegue se mover em um momento, de repente exibe força sobre-humana em outro. O que impede Don't Move de receber uma nota ainda mais baixa é a premissa promissora, que poderia ter sido explorada de forma muito mais eficaz. Infelizmente, a boa ideia é enterrada sob uma execução rasa e personagens mal desenvolvidos.

A direção de John Crowley é um triunfo de sensibilidade e controle artístico. Ele não apenas nos conduz por uma narrativa fragmentada, mas também permite que cada cena seja um reflexo emocional do estado dos personagens. A transição entre momentos do passado e do presente é feita com fluidez, criando um contraste que intensifica a compreensão das motivações e das escolhas dos protagonistas. Essa abordagem torna o filme mais do que uma história; é uma exploração da maneira como o tempo molda as pessoas e seus relacionamentos. Florence Pugh, como sempre, brilha em sua capacidade de transmitir emoções complexas com uma sutileza que captura a essência de sua personagem. Ela nos apresenta uma mulher que carrega cicatrizes emocionais, lidando com arrependimentos e decisões difíceis que a seguem ao longo do tempo. Andrew Garfield, por sua vez, interpreta um homem que busca equilíbrio entre o peso do passado e a esperança por um futuro diferente. Juntos, eles criam uma química que transcende o diálogo, manifestando-se em gestos, olhares e silêncios que dizem mais do que palavras poderiam expressar. O roteiro equilibra momentos de pura introspecção com diálogos cheios de impacto emocional. A escolha de mostrar os mesmos eventos sob diferentes perspectivas temporais não é apenas um artifício narrativo, mas uma declaração sobre como as memórias e experiências se reconstroem à medida que vivemos. Esse jogo entre passado e presente dá ao filme uma profundidade que recompensa o espectador atento, que se dedica a juntar as peças do quebra-cabeça emocional. Visualmente, o filme é um deleite. A cinematografia de Sean Bobbitt é cuidadosa em sua paleta de cores, usando tons quentes para evocar nostalgia nos flashbacks e uma iluminação mais fria e desbotada para representar o presente. Essa distinção visual sutil orienta o espectador sem subestimar sua inteligência. A trilha sonora de Max Richter complementa perfeitamente o tom melancólico do filme, pontuando os momentos mais impactantes sem se sobrepor à narrativa. Ainda assim, We Live in Time não é imune a críticas. A complexidade temporal pode alienar espectadores que preferem uma narrativa mais linear e, em alguns momentos, a falta de aprofundamento em subtramas específicas pode dar a sensação de que algumas oportunidades narrativas foram deixadas de lado. A desconexão emocional inicial dos personagens, embora proposital, pode tornar difícil para alguns se conectarem imediatamente com a história. Outro ponto interessante é como o filme desafia as expectativas em relação à maturidade de seus protagonistas. Apesar de serem adultos maduros, suas decisões e estilos de vida frequentemente refletem uma juventude prolongada. Essa escolha pode gerar um estranhamento inicial, mas ao mesmo tempo dialoga perfeitamente com o retrato de uma geração que redefine constantemente suas prioridades e papéis sociais. No geral, We Live in Time é uma obra que pede paciência e atenção, mas oferece uma recompensa rica para aqueles que mergulham em sua proposta. É uma história que não apenas se assiste, mas se sente, convidando o público a revisitar suas próprias memórias e perspectivas sobre o tempo, o amor e a perda.

"Cuckoo", dirigido por Tilman Singer, tinha tudo para ser um thriller psicológico inovador. A ideia central, envolvendo um pássaro cuco mimetizando uma forma humana, era intrigante e carregava potencial para explorar temas de identidade, sobrevivência e manipulação. No entanto, o resultado final foi uma bagunça que nem o elenco talentoso conseguiu salvar. A trama é confusa, as atuações, embora competentes, são ofuscadas por diálogos pouco inspirados, e a direção de arte, que em certos momentos brilha, se perde em uma estética que tenta ser inovadora, mas cai no genérico. O grande problema do filme está no roteiro. Parece que as ideias foram jogadas no papel sem coesão. Enquanto alguns elementos visuais criam tensão, a narrativa falha em dar profundidade aos personagens ou sustentar o mistério central. É difícil criar uma conexão emocional com os protagonistas porque eles mal têm desenvolvimento. E quando o clímax chega, em vez de ser impactante, é risível. A lógica por trás do "ponto fraco" do antagonista é preguiçosa, e momentos que deveriam ser tensos acabam sendo involuntariamente cômicos. O mais frustrante é o hype causado pelo trailer. Ele prometia um terror psicológico intenso e criativo, mas entregou algo completamente diferente. A ideia de um "Cuckoo humano" parecia brilhante na teoria, mas na prática, resultou em uma mulher cuco que sequer consegue se comunicar de forma convincente. Como se não bastasse, o ponto fraco do vilão, um simples cancelamento de ruído, é tão absurdo que quebra qualquer imersão. Fica parecendo que o roteirista ou perdeu o foco completamente ou estava sob influência de algo muito estranho. Em resumo, Cuckoo é um filme com uma premissa promissora, mas execução desastrosa. Faltou uma direção clara e uma narrativa que respeitasse a inteligência do público. É o típico caso de um trailer que vende um produto muito superior ao que o filme realmente é.

"Gladiador 2" é uma continuação que, apesar de trazer de volta a grandiosidade do original de Ridley Scott, não consegue capturar totalmente a magia e a profundidade do filme de 2000. A trama segue o filho de Maximus, Lucius, agora adulto, imerso em um império romano em decadência, lidando com questões de poder, vingança e honra. A direção de Scott mantém a grandiosidade visual, com cenários e cenas de batalha impressionantes, mas a narrativa peca por falta de originalidade e não oferece a mesma intensidade emocional do primeiro filme. A atuação de Paul Mescal, como Lucius, é sólida, mas não chega aos pés de Russell Crowe, que deixou uma marca indelével como Maximus. O filme sente a ausência de um protagonista tão carismático, e, apesar de Mescal ter um desempenho competente, seu personagem não gera a mesma empatia. O enredo, embora interessante, carece de profundidade, muitas vezes caindo em clichês de vingança e ambição que já vimos em outros épicos históricos. A história de Lucius poderia ter sido mais complexa, explorando mais sua luta interna com o legado de seu pai e sua ascensão ao poder. A trama parece mais uma desculpa para justificar batalhas e cenas de ação, em detrimento do drama humano que tanto sustentou o primeiro filme. Em termos de produção, "Gladiador 2" mantém o padrão elevado, mas as escolhas de roteiro e desenvolvimento de personagem comprometem a experiência. A trilha sonora de Hans Zimmer, por outro lado, é um dos pontos altos, evocando a emoção necessária para equilibrar as falhas do enredo. Em resumo, "Gladiador 2" é um filme que tenta honrar o legado do original, mas não atinge a mesma força emocional. Um espetáculo visual competente, mas falho no desenvolvimento de personagens e narrativa, careceu do impacto emocional e da profundidade do original. Apesar das atuações sólidas e da direção competente de Ridley Scott, o filme luta para justificar sua existência além de ser um tributo ao sucesso de 2000. É uma experiência cinematográfica que vale pelo espetáculo, mas deixa a desejar no que realmente importa: uma conexão significativa com o público e um enredo memorável.

"Herege", produzido pela aclamada A24, é um filme de terror que explora temas de controle, manipulação psicológica e fé. A trama acompanha duas missionárias presas em um jogo mortal após buscarem abrigo em uma casa durante um temporal, com Hugh Grant interpretando o Sr. Reed, um vilão tão carismático quanto inquietante. A atuação de Grant é o ponto alto do filme, adicionando profundidade ao antagonista e carregando boa parte da tensão. O elenco coadjuvante também entrega performances competentes, mas não alcança o mesmo impacto. A direção de arte se destaca ao usar a ambientação claustrofóbica para refletir o estado emocional das personagens, enquanto a trilha sonora falha em elevar os momentos mais tensos, deixando algumas cenas menos impactantes do que poderiam ser. O roteiro é ambicioso, buscando equilibrar comentários filosóficos e terror psicológico, mas tropeça em reviravoltas previsíveis e diálogos que nem sempre convencem. A primeira metade do filme é mais eficaz em construir suspense, enquanto o terceiro ato, embora visualmente marcante, opta por desfechos menos ousados que poderiam ter enriquecido a narrativa. "Herege" é um thriller que instiga reflexões, mas nem sempre atinge suas intenções. É uma obra que se destaca pelas performances e direção de arte, mas deixa a desejar em sua execução narrativa. Em conclusão, "Herege" é um filme que tenta combinar tensão psicológica e questões filosóficas com o terror clássico, mas entrega resultados mistos. Embora a atuação de Hugh Grant e a ambientação sejam inegáveis destaques, o roteiro não sustenta a profundidade emocional ou a originalidade prometida, limitando o impacto geral. Apesar disso, o filme pode ressoar com aqueles que apreciam tramas que provocam reflexões, mesmo que falhem em alguns aspectos técnicos. Se você gosta de thrillers psicológicos com uma atmosfera pesada e atuações marcantes, "Herege" é uma escolha válida, embora não revolucionária no gênero.

"Ninguém Sai Vivo", dirigido por Santiago Menghini, é um thriller de terror que mistura elementos sobrenaturais e um drama social com temáticas relevantes. Baseado no romance de Adam Nevill, o filme apresenta uma atmosfera inquietante e uma premissa intrigante, mas falha em entregar um impacto significativo devido à execução inconsistente. História e Roteiro A narrativa segue Ambar (Cristina Rodlo), uma imigrante em busca de uma vida melhor nos Estados Unidos, que acaba alugando um quarto em uma pensão dilapidada, apenas para descobrir que o lugar guarda segredos sombrios. A premissa é sólida e aborda questões sociais pertinentes, como a precariedade enfrentada por imigrantes ilegais. No entanto, o roteiro não desenvolve essas temáticas de forma profunda, muitas vezes deixando-as como pano de fundo para sustos previsíveis. Embora o mistério central seja instigante, o ritmo do filme é irregular. A revelação final tenta surpreender, mas o desenrolar é confuso e carece de coerência, deixando mais perguntas do que respostas. A mistura de folclore com horror psicológico poderia ter sido mais bem explorada. Personagens e Atuação Cristina Rodlo entrega uma performance convincente como Ambar, trazendo vulnerabilidade e determinação à sua personagem. No entanto, os personagens secundários são subdesenvolvidos e servem mais como ferramentas narrativas do que figuras memoráveis. As interações não aprofundam as relações humanas, o que diminui o impacto emocional. Os antagonistas, embora inicialmente ameaçadores, perdem parte do impacto devido a motivações pouco claras e uma falta de construção consistente. Cinematografia e Atmosfera A cinematografia é um dos pontos altos do filme. O diretor utiliza bem os espaços claustrofóbicos da pensão, criando um senso de isolamento e opressão. A iluminação e os enquadramentos são eficazes em transmitir desconforto, mesmo que os sustos sejam previsíveis e dependam de clichês de jump scares. A direção de arte trabalha bem em criar um ambiente sombrio e decadente, enquanto a trilha sonora reforça a tensão, mas não se destaca de forma marcante. Efeitos Visuais e Sobrenatural O design da entidade sobrenatural é interessante e traz um toque de originalidade, mas o impacto é prejudicado pela execução dos efeitos visuais, que oscilam entre o aceitável e o artificial. Além disso, o folclore apresentado carece de profundidade, deixando a sensação de que o filme tentou abraçar muitas ideias sem desenvolvê-las totalmente. Conclusão "Ninguém Sai Vivo" é um filme que apresenta potencial com sua premissa, mas não consegue entregar uma experiência memorável. As atuações são competentes, especialmente a de Rodlo, e a atmosfera é eficaz, mas a falta de um roteiro mais coeso e de uma exploração satisfatória de suas temáticas impede que o longa se destaque. É uma obra que funciona como entretenimento passageiro para fãs do gênero, mas não deixa uma impressão duradoura. Para quem busca um terror mais impactante ou reflexivo, há outras opções mais bem executadas.