Elvis Del Valle

El director Kevin Connor debuto en el cine de horror con su primer largometraje From Beyond The Grave, el cual había finalizado las películas antológicas de Amicus. Dado que se trató de una película bastante aceptable, Kevin regreso de nuevo al cine de horror con Motel Hell. Esta fue su segunda película de horror, aunque sobresale bastante por ser más una película de humor negro que llego a ser catalogado como una sátira. Además, se trata de una película de temática rural como Invasion Of The Blood Farmers y 2000 Maniacs. Kevin tenía intenciones de hacer una película más sería, aunque el presupuesto limitado hizo que tomara otro rumbo. El concepto de la película es bastante perturbador por la idea en que los hermanos Smith usan personas humanas como ingrediente secreto para su famoso producto de carne. Aunque tiene momentos sombríos, gran parte de la película apela bastante al humor. La idea combina parte de Psycho y parte de The Texas Chainsaw Massacre y los mezcla. El resultado es una idea que funciona y el humor hace que se sienta como una parodia de ambos títulos. Debido a que se usó un presupuesto limitado, la película usa más bien la atmosfera y la sutileza para los momentos perturbadores. Lo que significa es que no hay violencia explicita, pero la utilería y el maquillaje están presentes para algunos breves momentos que son grotescos. Se pueden contemplar algunos miembros humanos, aunque son pocos. Pero la película no necesita mostrar mucho porque la idea es bastante clara. Cumple los estándares de una película de explotación por tener momentos incómodos a la vez que tiene momentos bastante graciosos. Hay películas de horror que cae en el humor de forma involuntaria, pero en este caso la comedia es intencional. Eso ayuda bastante a compensar los momentos donde la película pierde seriedad y la comedia es una buena cobertura. El humor además recurre a los estereotipos de un pueblo americano tradicional. Eso se nota en el escenario de los sucesos y en casi todos los personajes. Algunos personajes menos relevantes, como los que terminan siendo cosechados en la granja, se aferran más a los estándares de una película de explotación. Motel Hell no es unas de esas películas de horror que dejaron un fuerte precedente en la historia del cine, pero es una pequeña joya de culto con cierto encanto. Es una película satisfactoria que no demanda mucho y es una de esas películas poco conocidas que merecen una oportunidad. Mi calificación final para esta película es un 8/10.

Luego de que Stuart Gordon y Brian Yuzna debutaran en la gran pantalla con la adaptación cinematográfica de Re-Animator, ambos pasaron a adaptar otro relato de Lovecraft para su siguiente largometraje. En este caso, ambos escogieron el relato From Beyond y repitieron la misma fórmula que usaron en Re-Animator. La trama de la película es diferente al del relato original y es que From Beyond es un relato corto que muy fácilmente se puede adaptar a un cortometraje. Para la película se decidió crear una historia nueva construida con elementos del relato original, tal como se había con Re-Animator. La película consigue ser una adaptación bastante buena que narra su propia versión del relato original. Tiene la idea de jugar con la ciencia para explorar un territorio desconocido y va acorde a concepto de Lovecraft sobre presenciar algo que la mente no puede comprender y llevarlo a la locura. La película materializó de una manera interesante a los seres interdimencionales con el uso de efectos prácticos y tecnología digital que ya estaba empezando a manifestarse desde el estreno de Tron. Mientras las criaturas fueron muy bien realizadas, Pretorius es quien se roba la película como el monstruo principal. La película recurrió bastante al horror corporal para este ser y sus transformaciones grotescas están casi al nivel de The Thing. Se puede apreciar bastante la combinación de maquillaje y efectos prácticos y es una experiencia satisfactoria para este tipo de películas. Los artistas Gregory Nicotero y Robert Kurtzman forman parte del equipo, así que fue bueno tener a dos figuran conocidas que aportaron bastante a los efectos. Lo que también sostiene bastante a esta película es su pequeño elenco. Jeffrey Combs y Barbara Crampton tuvieron roles memorables en Re-Animator que impulsaron sus carreras actorales. En esta película vuelven a hacer un buen trabajo con sus personajes. Ken Foree en el rol de Bubba también resulta ser un buen personaje y demuestra el mismo carisma que había tenido cuando protagonizo Dawn Of The Dead. Así que la película resulta otra buena adaptación de Lovecraft que deja la misma buena impresión que había deja Re-Animator. Eso la convierte en una de las adaptaciones más sobresalientes y admirables del autor. Por ende, From Beyond es otra joya de culto digna de reconocimiento y es material obligatorio tanto para los fanáticos del cine de horror como para los fanáticos de Lovecraft. Mi calificación final para esta película es un 9/10.

Luego de haber concluido la trilogía de The Hobbit, la siguiente obra literaria que Peter Jackson adaptaría sería Mortal Engines del escritor Philip Reeve. Mortal Engines es una obra steampunk con un mundo lo bastante interesante para ser llevado al cine. La mayoría de las películas que Peter Jackson ha producido son obras maestras y cómo ha producido la mejor adaptación del mundo de Tolkien, lo más probable es que con Mortal Engines hubiera pasado lo mismo y así dar inicio a nueva etapa en su carrera. Por desgracia, las cosas no salieron como se esperaban. Lo más admirable que se puede apreciar de la adaptación cinematográfica es la forma en que recrearon el mundo distópico de la novela. El diseño de producción y el diseño de las maquinarias son realmente estupendos. Tienen el aire del género steampunk, que es lo que más se podía esperar de la película. Los efectos especiales son estupendos y tiene muchas secuencias que son un deleite visual. Hay muy buenas escenas de acción que hacen que la película se sienta emocionante y épica. La concepción de este mundo y sus momentos épicos está muy bien realizada. Viéndolo de forma superficial es una película bastante divertida y se puede disfrutar de sus secuencias de acción. Lo que falla en esta película es la forma en que se ejecutó la historia. El guion respeta la trama principal en su mayor parte, pero existen modificaciones y omisiones que simplifican más la historia. Todo está condensado a una película de dos horas que de haber durado tres horas, hubiera sido mejor para no omitir mucha información esencial. La película debería haber durado tres horas para aprovechar mejor y al condensarse todo en una película de dos horas, el guion termina sintiéndose flojo y con huecos argumentales. Es algo extraño dado que Peter Jackson escribió el guion junto con sus colaboradores habituales Fran Walsh y Philippa Boyens. Así que es raro que el guion que escribieron para Mortal Engines se sienta flojo. Podría deberse a que Peter Jackson cometió el mismo error que había cometido con Jack Brown Genius. Con Mortal Engines se volvió a cometer ese error al poner como director a Christian Rivers. Él jamás había dirigido un largometraje y se destaca solo como artista de efectos especiales, quien colaboro bastante con Peter Jackson desde Braindead y su única experiencia como director fue en el cortometraje Feeder. Neill Blomkamp también inicio como artista de efectos especiales, pero al menos ya tenía una idea bien clara de lo que quería hacer cuando dirigió District 9. Con Christian Rivers pasó lo opuesto porque se nota que le dio muchísima importancia a las secuencias de acción y el CGI. Faltan momentos argumentales que quizás Rivers paso por alto o se desecharon en la sala de edición. Además, la película desechar bastante el desarrollo de los personajes y sus motivaciones no son muy claras si no se ha leído la novela. Aunque se hicieron algunas modificaciones que afectaron a algunos personajes. Mortal Engines es una película que se puede disfrutar por sus efectos especiales y secuencias de acción, pero pudo haber sido mejor. Al no cumplir las expectativas termino siendo la película más decepcionante de Peter Jackson. Mi calificación final para esta película es un 7/10.

Luego de haber realizado varios cortometrajes y trabajar como artista de efectos digitales, Neill Blomkamp al fin hace su gran debut en el cine con una de las propuestas más originales de la ciencia ficción. Con la colaboración de Peter Jackson, District 9 es una película que se siente diferente a otras del mundo de la ciencia ficción. Lo que caracteriza a esta película es que tiene elementos que hacen alusión a acontecimientos de la época del apartheid en Sudáfrica. La película expande el concepto que Blomkamp había idea para el cortometraje Alive In Joburg. La primera mejora que tiene la película con respeto al cortometraje es la calidad visual y la producción. Hay uso de una tecnología más profesional que permite construir mejor el formato de falso documental. La película usa entrevistas y escenas que están filmadas como si fueran sacadas de un noticiero. Todo está hecho con una buena precisión y tiene la misma credibilidad que otras películas como Rec y Cloverfield. Incluso las escenas que parecen haber sido filmadas con baja resolución se ven mejor que la mala calidad que tenía el cortometraje original. Lo que también contribuye bastante es el CGI y el diseño de las criaturas. El traje robótico y la nave espacial se ven más detallados y mejor que el diseño original que tenían en el cortometraje. Los alienígenas ahora llamados Prawns también tienen un diseño que es mejor que en el cortometraje. Sus diseños originales eran parecidos a Cthulhu del mundo de Lovecraft, pero la película los rediseño como insectoides que se ven bastante bien. La ciencia ficción ya había presentado alienígenas con apariencia de insecto, pero los Prawns tiene un concepto que los hace los alienígenas más únicos de la ficción. La segunda mejora que favorece bastante a la película y la hace superior al cortometraje original es que desarrolla más su comentario social. La película se inspira en sucesos reales durante la época del apartheid, más específicamente el caso del District Six. Un área ubicada en Ciudad del Cabo que en sus inicios fue poblada por esclavos liberados y luego fue siendo habitada por inmigrantes, hasta que fue declarado un sitio solo para blancos y eso provoco que sus residentes fueron trasladados forzosamente a Cape Flats. La película tiene bastantes similitudes con este caso, dado que los Prawns son alienígenas que dejaron su planeta debido a las terribles que habrían vivido, pero viven restringidos en un sector donde tampoco viven en buenas condiciones. La idea de la segregación es bastante obvia y como los Prawns no son parte de la especie humana, los humanos no los tratan como semejantes. El nombre que le dan a estas criaturas es una referencia al Parktown Prawn, una especie de insecto que es considerado una plaga en Sudáfrica. Así que los alienígenas son llamados Prawn por una especie de prejuicio.La película es una de las pocas que se atreve a decir que en realidad los seres humanos son lo peor como especie y eso es algo que se valora bastante. Peter Jackson y Neill Blomkamp consiguieron crear una película única que representa uno de los problemas más comunes la sociedad. District 9 es sin duda una gran película de ciencia ficción que se destaca como una de las más sobresalientes y más originales del género. Mi calificación final para esta película es un 9/10.

El quinto cortometraje de Neill Blomkamp presenta un concepto muy interesante que sería llevado a la gran pantalla tiempo después. Alive In Joburg es un cortometraje en el que el director aborda el tema del apartheid aplicando elementos ficticios como seres alienígenas. Se hizo con un formato que emula una especie de documental y hasta incluye entrevistas reales para darle más credibilidad. El mundo que el cortometraje presenta tiene a estos seres alienígenas que en su planeta de origen eran sirvientes o esclavos y que huyeron a la tierra para dejar esa vida. Pero lo que la película muestra da a entender que estos seres ahora están obligados a vivir con la población negra. En este punto no solo se toca el tema del apartheid, sino que también se puede identificar indicios hacia la inmigración y la discriminación. Los alienígenas vendrían a ser inmigrantes que abandonaron su tierra natal por vivir en condiciones precarias, pero al llegar a territorio extranjero, el gobierno los restringe a vivir en una zona donde no hay buenas condiciones. Se puede entender esto como una referencia a los casos de inmigración donde los inmigrantes que buscan una mejor vida son recluidos en sectores de bajo nivel en el territorio extranjero. Este comentario social que el cortometraje plantea es bastante interesante y le da bastante potencial. Lo malo es que al ser un cortometraje, tiene sus limitaciones y hay bastante por explorar. Además, no ha envejecido del todo bien debido a que la calidad de la imagen es mala. Hay muchas escenas que son difíciles de apreciar y que no permiten disfrutar mejor lo que el cortometraje cuenta. Lo único que se ve más o menos decente son los efectos especiales. El maquillaje de los alienígenas está bien y el CGI para las secuencias de los trajes robóticos se ve decente. Claro que estos efectos tienen la calidad de una producción de serie B y la calidad del cortometraje hace que se vean mínimamente mediocres. El concepto principal es lo único que se puede apreciar del todo y al menos pudo ser mejor aprovecho en District 9. Este cortometraje sirvió más que nada como un borrador para que Neill Blomkamp realizara su primer largometraje. Podría decirse que el cortometraje en sí no está mal por su concepto, pero ya se ve obsoleto comparado con las mejoras que tuvo al ser adaptado en District 9. Alive In Joburg es un cortometraje mediocre que ha envejecido bastante mal y solo su concepto fue lo bastante ingenioso para ser convertido en largometraje. Verlo es solo recomendable para quienes quieran conocer los inicios del director o ver como se concibió la idea de District 9. Mi calificación final para este cortometraje es un 4/10.

Tras concluir la épica trilogía de The Lord Of The Rings, Peter Jackson emprendió una nueva aventura al resucitar uno de los clásicos más icónicos del cine. King Kong de Peter Jackson trae de regreso al icónico gorila en una epopeya que actualiza de manera acertada el clásico original. Desde lo visual y lo narrativo, Peter Jackson usa la misma fórmula de The Lord Of The Rings y crea una película que se siente como una aventura épica. No es un calcado del todo, sino una expansión de la historia original con momentos adicionales y unas mejoras que le dan desarrollo y profundidad. El cambio que se le ha hecho a Ann es la forma en que se relaciona con Kong. La película original seguía la fórmula de las películas de ciencia ficción de aquella época donde los seres fantásticos eran retratados como monstruos amenazadores. Ann tenía miedo constante de Kong y seguía el arquetipo de la damisela en peligro. Esto comenzó a cambiar a partir de la versión de 1976, donde Ann comenzaba a sentir más empatía por Kong. Aquello versión desarrolló más la relación de ambos y es que Ann comenzaba a darse cuenta de que Kong no era un monstruo. Peter Jackson aplica esa fórmula en esta versión del 2005. Lo que hace que Ann comience a empatizar con Kong es que se da cuenta de que el simio se arriesga para protegerla de otras criaturas. En el clásico original Kong hacia lo mismo, pero Ann no reconocía eso porque no era capaz de empatizar con él. Fue en la versión de 1976 que Ann comenzó a reconocer la preocupación de Kong por ella y en esta versión Ann al fin comienza a ver a Kong como un ser muy cercano a un humano. Esta relación influye bastante en la forma en que Kong es retratado en la película. El clásico original lo retrataba como un monstruo al mismo nivel de las demás criaturas que habitaban Skull Island, pero la forma en que protegía a Ann hacía que mostrara unos pocos vestigios de ser un ser sintiente. Con la película de 1976 y la película animada de 1998, la historia original comenzó a tomar un rumbo más trágico y Kong fue mucho más humanizado. Estos factores al fin terminan de ser complementados en la versión de Peter Jackson. Aunque Kong si llega a lastimar personajes humanos, lo hace para protegerse y porque se siente amenazado. Esto es algo que se venía entendiendo desde las versiones anteriores y el personaje ya estaba empezando a ser humanizado. La relación entre Ann y Kong llega a sentirse romántica y conmovedora. Kong se vuelve un personaje empatizable y la historia de la película termina convirtiéndose en una tragedia. Lo que ayuda bastante a transmitir ese sentimiento trágico es la estupenda actuación de Naomi Watts y la asombrosa banda sonora de James Newton Howard. Henry Selick fue capaz de darle personalidad a Kong por medio del lenguaje corporal y lo que hizo fue algo muy admirable como su interpretación de Gollum en The Lord Of The Rings. Peter Jackson no solo ha hecho un digno homenaje del King Kong clásico, sino que ha hecho una película que supera bastante a sus versiones anteriores y respeta el legado que este gran gorila dejo en el cine. King Kong (2005) es otra épica obra maestra de Peter Jackson y una película tan atemporal como su antecedente original. Mi calificación final para esta película es un 10/10.

The Battle Of The Five Armies tiene un comienzo que puede dar bastante de que hablar. Al comienzo se podría haber esperado una batalla épica contra Smaug debido a su poder colosal, pero el enfrentamiento entre el dragón y Bard es algo que no dura mucho. Esto sucede tal cual está en la novela y es que Bard logra matar al dragón con poca dificultad. Puede que esta introducción sea algo decepcionante para quienes no hayan leído la novela, pero lo que viene después es aprovechado para abordar un mensaje muy importante que yace en la novela. Después de que muere Smaug, parece que todo ya ha terminado y los enanos ha cumplido su misión. Pero ahora surge un desafío que los personajes deben enfrentar y es la lucha por el tesoro de Smaug. En la película anterior ya se iban dando indicios de que la derrota de Smaug no iba a ser el final definitivo y es algo que en la novela se explica. Resulta que ahora el siguiente desafío sería quién iba a quedarse con el tesoro y es aquí donde surge el mensaje de la novela. Thorin ya consiguió su objetivo, pero ahora desea apoderarse de la Arkenstone. Bilbo comienza a notar que Thorin es poseído por la avaricia al punto de romper su promesa de dar parte del tesoro a los ciudadanos de Laketown. Smaug ya venía avisando en la película anterior el efecto que la Arkenstone tendría sobre Thorin. Incluso cuando Bilbo trata de razonar con Thorin, la forma en que el enano actúa es muy similar a la de Smaug. Lo que la película plantea con esto es que la riqueza puede corromper a una persona. Ese es el mensaje que tiene la novela y está plasmado en esta película. Tiene bastante sentido porque en la novela la batalla de los cinco ejércitos se libra principalmente por el deseo de poseer el tesoro de Lonely Mountain. Smaug había masacrado al reino de Dale y de los enanos por querer apoderarse del tesoro. Ahora que Smaug ya no está, el tesoro está expuesto y surge una lucha por adueñarse de él. Thorin se muestra dispuesto a proteger el tesoro, levantando un muro, rompiendo su código de honor y poniendo su avaricia por encima de los demás. En la película los personajes tienen sus motivos para poseer el tesoro. Laketown lo quiere para poder reconstruirse y Thranduil solo quiere recuperar unos diamantes que le fueron robados hace siglos. Bard es el único que declara que el tesoro está maldito y en parte tiene razón por cómo Thorin se deja consumir por la codicia. La película consigue plasmar el mensaje que deja la novela sobre la avaricia y cómo puede conducir a que las personas recurran a la violencia. Así como Return Of The King termino siendo la mejor película de The Lord Of The Rings, The Battle Of The Five Armies termina siendo la mejor de The Hobbit. La mayoría de los momentos adicionales terminaron siendo importantes para la conexión y continuidad con The Lord Of The Rings. Aunque The Hobbit no es muy influyente como su predecesora, resulto ser una digna precuela. The Hobbit: The Battle Of The Five Armies es un épico final para una precuela que demuestra una vez más que la saga de Peter Jackson es la mejor adaptación de las obras de Tolkien. Por increíble que parezca, resulta ser una saga perfecta. Mi calificación final para esta película es un 10/10.

Continuando con la trama de The Hobbit, The Desolation Of Smaug continua el resto de la novela adaptando los capítulos que van desde el ingreso al bosque oscuro hasta el tan esperado encuentro con Smaug en Lonely Mountain. Ya habiendo visto la película anterior o leído la novela, es fácil saber como sigue la historia. En esta secuela donde van surgiendo momentos claves que tienen una fuerte conexión con los eventos de The Lord Of The Rings. Uno de ellos es la investigación que Gandalf hace sobre el Necromancer. Cuando Gandalf se separa de los enanos para investigar sobre dicho individuo, la película se divide en dos hilos narrativos. El hilo que se enfoca en el Necromancer es bastante crucial porque tiene momentos que hacen mención a los Nazgul y el posible regreso de Sauron. La novela no había indagado mucho sobre la investigación de Gandalf, pero la película lo desarrolla lo suficiente para entender la importante conexión que tiene este suceso con lo que vendría después en The Lord Of The Rings. Una diferencia que se puede notar en comparación con la novela es la inclusión de Legolas y Tauriel. Aunque canónicamente Legolas es el hijo biológico del rey Thranduil, este personaje no aparece en la novela original y debuta por primera vez en The Lord Of The Rings. Legolas siempre fue un personaje entrañable y su inclusión en esta película ayuda de cierta manera a enriquecer más la historia. Tauriel es un personaje que no existe en las obras de Tolkien y fue creada solo para esta saga cinematográfica. Puede que sea solo una excusa para ser el interés romántico de Kíli, pero ella juega un papel que sería aclarado en la próxima película. Lo que aquí se adelanta es un posible romance que desafía la complicada relación que hay entre los elfos y los enanos. Algo que da la esperanza de una posible convivencia entre ambos pueblos y que ya se había planteado con The Fellowship Of The Ring. Es indiscutible que la película no pierde el rumbo y adapta bastante bien la historia de la novela como su predecesora. Nada más la expande más con momentos adiciones que parecen enriquecer más la historia o ser puro relleno. Pero lo cierto es que esta película transmite bastante emoción como obra de fantasía. Así que se puede decir con certeza que este segundo capítulo de The Hobbit es una fantástica película que ofrece más momentos emocionantes y va desvelando el comienzo de lo que acontecería en The Lord Of The Rings. The Hobbit: The Desolation Of Smaug es una prometedora aventura de fantasía que tiene el mérito suficiente para estar a la altura del capítulo anterior. Quizás no tenga tanto peso narrativo como The Two Towers, pero ver a los enanos estando cerca de cumplir su misión hacen que la película merezca ser vista. Mi calificación final para esta película es un 10/10.

Llegados al capítulo final de esta trilogía, no cabe duda en que The Lord Of The Rings demostró ser una de las mejores obras del cine de fantasía y la trilogía cinematográfica más perfecta que se haya hecho. Esto fue posible debido a que Peter Jackson desarrollo estas películas como si fueran una sola y solo las dividió en tres. Fue algo demasiado arriesgado para la productora debido a que hacer una película y sus secuelas juntas al mismo tiempo presentaba el riesgo de que hubiera perdidas si una de las películas fracasaba. Así que hubo bastante en juego, pero el resultado fue bastante positivo. En el caso de The Lord Of The Rings, la jugada salió bastante bien y al fin pudo concluir con la que es sin duda la mejor entrega de toda la trilogía. Ganadora de 11 Premios Óscar en 2003, Return Of The King retoma el final de The Two Towers adaptando los últimos momentos que concluyen el tercer y cuarto libro de la novela. También presenta un prólogo que explica el origen de Gollum y su primer encuentro con el anillo. Esto fue algo que Gandalf había explicado en la novela cuando él y sus compañeros estaban en las minas de Moria. Ya se podía notar que algún par de situaciones fueron cambiadas de lugar al momento de adaptar la novela. En este caso decidieron dejar el origen de Gollum para la película final. La película anterior ya daba indicios de algo terrible en el pasado de Gollum que lo llevo a perder la cordura. En esta película explican que fue lo que paso y cómo Smeagol paso de ser un hobbit puro a una abominable criatura. The Two Towers fue una preparación para llegar a este momento donde los personajes enfrentan un gran desafío para terminar con la tiranía de Sauron. Frodo y Sam están cerca de cumplir su meta final. La película es sin duda la épica conclusión que se esperaba ver y cierra el arco de muchos de sus personajes. La emocionante y profunda narrativa no es lo único que hace que esta película sea una experiencia entrañable. Los efectos especiales de Weta FX también se encargan de brindar la emocionante conclusión de esta saga. Las escenas de combate son muy cautivadoras y hay mucha acción que brinda una auténtica experiencia cinematográfica. Esto remonta bastante a obras del cine épico como The Ten Commandments, Ben-Hur y Quo Vadis. La banda sonora de Howard Shore también es una maravilla en los momentos épicos y emotivos que llenan de muchas emociones. La conclusión termina siendo algo hermoso que hace que todo lo visto en la trilogía haya sido una experiencia digna de presenciar. Peter Jackson recorrió todo un camino desde el cine bizarro que lo llevo hasta este momento. Su estilo ya no es lo que era en sus inicios, pero logro crear una de las más grandes obras épicas del cine. The Lord Of The Rings: Return Of The King es el mejor capítulo final que se ha creado para una trilogía. Algo muy importante para cerrar esta trilogía que empezó con buenas expectativas y termina a lo grande. A pesar de sus diferencias con a novela, The Lord Of The Rings de Peter Jackson se ha vuelto la mejor adaptación del trabajo de Tolkien y una de las más grandes obras maestras del cine de fantasía. Mi calificación final para esta película es un 10/10.