joe days

Contra la corriente nefasta de tomar todos los discursos que circulan por ahí para ponerlos en pantalla de forma torpe y con yuxtaposiciones sin sentido, apenas disimuladas por nexos efectistas, "Aftersun" y su directora Charlotte Wells elige ser todo lo contrario. Es una narración lenta, morosa, de solapada sensualidad que involucra a un padre y a una hija en unas vacaciones, el clásico "no lugar" donde el tiempo se detiene y las reflexiones profundas y universales entran por los sentidos exacerbados por el ocio vital. La niña de 11 años, en trance de asomarse a ciertas complejidades de su paso a adolescente, rememora de adulta el recuerdo del padre, intentando reconstruir una figura, una falta, un deseo truncado. El guión aborda esta paradoja con delicadeza de matices, quizá excesiva, pero con total honestidad y ternura. La fotografía, las transiciones, la puesta en escena están al servicio de la idea principal, la distancia entre el discurso y lo real, algo se está escapando siempre, por mas belleza que podamos destilar, por mas articulación que hallemos en los dichos y en el arte. Film reflexivo, tierno, donde la desesperación y el vitalismo se conjugan dejando un poso emocional que es para todos.

La ví un poco por eso de "la vió gente inteligente y es para inteligentes", y me resultó un poquito meh, abarca muchos temas, hay muchos y demasiados remarcados, mas que poder de síntesis creo que Peele tiene ganas de contar muchas cosas, fijar mil posiciones y en eso el guión (y la narración) se le deshilacha. A nivel producción, sí me pareció impecable, todo es muy sólido, se adapta y supera a mucho de lo que se viene haciendo, tiene un par de escenas buenísimas (el verdadero talento de Peele), pero que una vez comprendidas se vuelven obvias y decepcionantes, incluso el final se aparta de la épica (quizás sea la intención del director), si es ese el caso es de una pedantería algo irritante. No creo que la pasen mal viéndola, es un show que se sostiene por sí mismo, pero es algo decepcionante que los subtextos y tramas se agoten en la frivolidad de algo tan efímero como el vacío virtuosismo cinematográfico

No veo el oportunismo en estrenar un producto audiovisual en consonancia con una circunstancia inédita de la historia, verbigracia esta pandemia, que nos ha involucrado sin discriminaciones biológicas, acentuando desigualdades y llevando la tragedia a los que han padecido pérdidas o afectaciones graves en su salud. Y más en una serie cuyos temas van más allá del simple relato de devastación efectista y ramplón. Dicho ésto, la serie plantea la supervivencia humana vivida a través de la experiencia artística, la expresión de las pérdidas a través de lo creativo como catarsis y la idea shakesperiana de destino sobrevolando las diversas circunstancias de los personajes. Para ello se sirve de una narración fragmentaria, de flashbacks que refuerzan el sentido de la anécdota narrada, de un rompimiento de la linealidad que sin embargo huye de lo vertiginoso pues está compensado con momentos casi hieráticos donde la acción se detiene en diálogos que parecen intrascendentes hasta que llega el acontecimiento que empuja la acción hacia adelante. Sin duda se trata de una pieza estéticamente lograda, la cinematografía tiende a cierto minimalismo, al juego de luces y texturas y se detiene en los rostros de un elenco con momentos de auténtico lucimiento. Sin embargo las tesis que llevan al relato son harina de otro costal. Hay algunas absurdas, como la del principal antagonista que sintiendo un abandono infantil se convierte en el lider de una secta de niños con ansia de venganza contra el "despotismo adulto". Cuál es la lucidez privilegiada de la protagonista que desde niña no se despega de un relato sobre la soledad, el desamparo y la falta de comunicación al punto que parece reemplazar su capacidad de conciencia y decisión. Y hay cierto desbalance entre la sensibilidad del grupo trashumante y los demás, una tendencia al elitismo y la pedantería que puede dejar frío a algún público, como es mi caso. Y eso que hay líneas de diálogo autoconcientes, que parecen alertar sobre de qué va esta ficción algo tramposa. Con todo es un producto complejo, impecablemente realizado, se lo puede ver y disfrutar en algunos aspectos, pero lo apuntado más arriba es la causa principal de la recepción mixta que ha tenido entre el público.

Una serie entretenida, con valores de producción correctos, con un mensaje ferozmente anticapitalista, atenuado por ciertas torpezas del guión. Que vivimos en una sociedad en la cual la cotidianidad empuja al hombre a una inhumanidad cada vez mas grave y preocupante, no es ninguna novedad. El guión postula estos valores del capitalismo y la "libre competencia" creando un ambiente de cárcel, campo de concentración y juegos al estilo "Supermatch" o "Videomatch" penados con la muerte de los que no pasan sus absurdas exigencias. Tanto los personajes, el ambiente, el contraste entre un poder que se pretende omnímodo y draconiano (aunque en el fondo tenga sus resquebrajamientos) y la fragilidad de los demás construyen un mundo ominoso y distópico, con elementos conocidos y algo remanidos, pero eficazmente utilizados. Mi mayor crítica proviene del guión y algunas "soluciones" que propone, ideológicamente se quedan cortas, resulta algo decepcionante postular un "deux ex machina" como el dueño de toda esa maquinaria perversa cuando tiene todos los visos de ser una construcción colectiva, quizas se deseó limitar concientemente una reflexión que podía ser mas potente, pero no conozco la intimidad de la realización.

Okupas es un logro naturalista. Para los que la vieron en el 2000, año previo del estallido de la convertibilidad y de una "configuración" del pais, la historia tiene resonancias muy fuertes. Ricardo es un muchacho de clase media, que no trabaja ni estudia, al que se le presenta la oportunidad de hacer de "bohemio urbano" en una típica casa porteña, que queda libre después de un desalojo. La casa será un lugar de reunión, de afecto, de conflicto, de miedos, de disputa territorial, de cuestionamiento de las instituciones burguesas, mas que nada del trabajo y la propiedad, de la violencia y de distensiones temporales siempre amenazadas por el sistema o el simple deseo de apropiación del "otro". En la realización hay ecos del neorrealismo italiano y del cine negro, hay mucho de los distintos círculos del infierno dantesco, reproducidos en pequeño en los ambientes internos y en grande en esa urbanidad que da fondo y forma a las diversas peripecias que atraviesan los protagonistas. El otro gran logro de Okupas son los personajes. No hacen falta esos flashbacks sobreexplicativos, se definen por sus conductas e interacciones, por sus choques y conflictos, con puntuales punzadas discursivas que nos revelan su interioridad de forma transparente. Si le pongo las cinco estrellitas es porque la recomiendo al que no la haya visto. Sé que la versión de Netflix tiene recortes en la banda sonora (otra gran baza de la serie original, temas del rock nacional clásicos de los '70). Seguramente tendrá sus defectos visto los códigos del entretenimiento audiovisual de hoy, pero como apuesta estética fue todo un acto de valentía hacerla en su momento, y es lo que explica su vigencia y expectativa después de mas de 20 años de reallizada.

Encomiable esfuerzo artístico de Paul Greengrass intentando modernizar el "procedimiento" del western clásico. Tom Hanks es un ex-oficial del ejército sudista que recorre los lugares más apartados de la apenas colonizada Norteamérica leyendo las noticias de los periódicos a la población sufrida y analfabeta, labrándose con ello un oficio de "contador de historias". En uno de sus viajes encuentra a una niña abandonada (Helena Zengel) ,criada por indígenas pero de origen anglosajón y con el encargado de llevarla a lo que queda de su familia asesinado en un ataque racista. Están todos los elementos ahí. El marco natural, apenas dominado que, en su aspereza define los tipos humanos. El héroe circunstancial, de gran corazón, piadoso y conciente, sensible a pesar de cargar con sus pérdidas y tragedias. La víctima, a la que el encuentro fortuito da la oportunidad de mostrar su potencial .La maldad humana, expresada en personalidades abusivas, algunas de signo simplista (no por ello menos repulsivas), otras más complejas (funcionales a la actualización del relato político) y finalmente, el contraste civilización-barbarie con una aparición fantasmal del elemento indígena, en el momento de mayor intensidad lírica de la película. No quiere decir esto que todas las intenciones del realizador funcionen de la misma manera, funciona la actualización psicológica, la lírica por momentos, la política es algo ridícula, la sociológica aún a trazos es certera. Con estas premisas, el mayor logro artístico de Greengrass es plasmar todas estas observaciones en una narrativa sencilla, directa y asequible, con un inmenso Tom Hanks, al que parece quedarle chico el papel, y la revelación de Helena Zengel que llena su papel de niña semisalvaje con sorprendente naturalidad. La fotografía de paisajes, funciona como nexo narrativo del ritmo episódico del metraje, con lo que se hace algo repetitiva. Quizás la comparación de este film no deba ser con los clásicos del western, que hoy serían imposibles de filmar, sino con el irritante esteticismo de "El Renacido". Aquí hay una historia para contar y Greengrass, con sus fallos, lo hace y hace pasar un buen rato. Que es lo que pedimos si vamos a ver una película.

primera mini-serie que veo de la plataforma Netflix. Trata de una niña huérfana de madre, sus años de infancia y adolescencia en un orfanato, y su juventud con una familia adoptiva. En los escasos márgenes de tiempo que escapan a la vida reglada de la institución, Beth Harmon manifiesta un excepcional talento para el ajedrez. La serie aborda los temas de la marginalidad, la rigidez del sistema educativo, la condición femenina a través de los años '50 y '60, el crecimiento personal, los estereotipos, la adolescencia, la soledad temprana. Beth es callada, introvertida, de fina sensibilidad, astuta, observadora y sagaz. Su afectividad va desplegandose a cuentagotas, hasta completarse al final del relato. Isla Johnston la interpreta de niña, Anya Taylor-Joy de adolescente y jóven adulta, ambas excepcionales, alternando entre sutileza, sensibilidad y fiereza competitiva, que se transforma en autodestrucción cuando sufre un revés vital o competitivo. Alrededor de ellas giran los demás personajes, las autoridades del orfanato, la amiga sincera, el auxiliar que descubre su talento, la pareja disfuncional que la adopta, sus competidores, sus compañeras de escuela. Destaca la dirección de arte, con un uso creativo del CGI, sorprendente en su realismo para retratar la vida en USA, ambientes tales como tiendas de moda, calles, arquitectura típica y decoración. El tramo en la URSS con un tono más de fábula, recrea la grandeza y el lujo de una capital rusa con aires de realeza. La dirección adopta el punto de vista de la protagonista, distanciada pero con sincera piedad por los padecimientos que le toca ver en los afectos que la rodean. El guión cierra el círculo afectivo y vital de Beth, a la manera del Hollywood clásico. Beth Harmon es soberana de su propio destino.

los momentos en que es una obra maestra bastan para ponerle la máxima calificación. Secuencias como la llegada a la playa, el bombardeo de los Stukas, el naufragio, y la sensación general de desamparo y encierro que provocan el uso de los elementos visuales y sonoros (sobre todo los últimos), representan un redescubrimiento de las posibilidades modernas del arte audiovisual. Las escenas de combate aéreo tienen una impronta gamer que es muy pertinente y válida para generar una sensación realista de dinamismo y movimiento. Se ha reprochado a Nolan falta de rigor histórico y un guión parco e incompleto con deficiente desarrollo de personajes. Nolan demuestra que con tales "defectos" se puede llevar un tiempo emocionante, que a la épica se le pude agregar la incertidumbre, la angustia y el miedo, y llevarlas al límite que requiere el heroísmo universal, de todos, incluídos los del hombre común.