Carlos Dos Santos

Quatre ans après la claque surprise de The Black Phone, Scott Derrickson replonge dans l’univers du Grabber. Malheureusement, si le premier film avait marqué par sa sobriété et sa tension psychologique, cette suite se perd dans un excès de surnaturel qui dilue tout ce qui faisait la force de l’original. Là où le premier volet jouait avec une horreur réaliste, un homme masqué qui enlève des enfants, une cave suffocante, une peur viscérale, The Black Phone 2 bascule dans le domaine du fantastique pur. Le film troque la terreur du réel contre des visions fantomatiques et des séquences de rêve qui rappellent parfois Freddy Krueger ou L’Exorciste. Une direction audacieuse, mais qui déroute : on ne sait plus très bien si on regarde un thriller psychologique ou un film de spectres. L’ambiance glaciale du décor hivernal apporte un vrai plus visuel. Les paysages enneigés, les cabanes isolées et le contraste entre la pureté du blanc et la noirceur du mal offrent quelques plans superbes. Mais la mise en scène, plus démonstrative, s’éloigne du minimalisme maîtrisé qui rendait The Black Phone si efficace. Les jump scares, souvent prévisibles, prennent le pas sur la tension dramatique, et l’émotion du premier film la détresse des enfants, le poids du silence se fait plus rare. Ethan Hawke, toujours aussi inquiétant sous le masque du Grabber, reste une présence magnétique. Mais son personnage, pourtant emblématique, est relégué à un rôle presque symbolique. Là encore, le film aurait peut-être mérité un autre nom, voire une nouvelle franchise, tant il s’éloigne de la proposition initiale. En résumé : The Black Phone 2 n’est pas un mauvais film, loin de là. Il est bien produit, soigné, parfois même captivant. Mais il perd la simplicité et l’efficacité du premier opus en voulant trop embrasser le surnaturel. Une suite honnête, mais qui laisse un goût d’inachevé.

Un film intriguant et sincère, porté par une idée originale : raconter une histoire d’horreur du point de vue d’un chien. Le pari est audacieux et mérite le respect, d’autant plus qu’il s’agit d’un vrai chien et il est super mignon🐶 On sent toutefois le petit budget et l’équipe semi-pro : mise en scène minimaliste, scénario très simple (écrit sur un post-it ou presque 😄), et rythme un peu lent. Mais le film aborde en filigrane des thèmes forts comme la mort, la loyauté et la solitude, avec une certaine émotion. Un essai imparfait, mais touchant dans son intention et sa sincérité.

Rituel d’Halloween oblige, je me suis lancé dans The Strangers – Chapter 2, en espérant un slasher tendu et angoissant… Malheureusement, on est très loin du frisson promis. Le film dispose pourtant d’un potentiel énorme : une héroïne crédible (Madelaine Petsch), plusieurs décors intéressants (forêt, hôpital, motel) et une ambiance qui aurait pu rappeler les meilleures heures du genre. Mais tout cela est gâché par une réalisation sans personnalité, un scénario paresseux et des choix de mise en scène absurdes. Les scènes censées provoquer le stress deviennent prévisibles. L’exemple typique : la séquence à la morgue, où un personnage secondaire apparaît uniquement pour se faire tuer, avant que le tueur range le corps “pour aider” la protagoniste à s’enfuir. La tension retombe aussitôt, faute de logique et de construction dramatique. Dans la forêt, même constat : malgré un décor vaste, les tueurs retrouvent miraculeusement leur proie. Et que dire du sanglier en CGI, risible et complètement hors-ton… Quant au “twist” final autour du tatouage, il est deviné dès la première minute. C’est d’autant plus frustrant que le film aurait pu être bien meilleur avec un réalisateur plus inspiré — un Jonathan Liebesman ou un Marcus Nispel, soutenu par une production Platinum Dunes, auraient sans doute transformé cette suite en vrai cauchemar viscéral. The Strangers – Chapter 2 reste donc un slasher bas de gamme, techniquement maladroit mais doté d’un potentiel évident. Une déception de plus dans un genre qui mérite mieux.

Darren Aronofsky nous propose un thriller qui avait tout pour nous happer… mais qui finit par nous laisser à moitié sur le banc. Austin Butler est impeccable, confirmant qu’il est un acteur qui porte un film à lui seul, et Zoë Kravitz, Vincent D’Onofrio ou Liev Schreiber ajoutent leur grain de sel. Bref, le casting fait rêver. Malheureusement, le scénario ne suit pas. Entre flashbacks maladroits sur le passé glorieux (et gâché) de Hank, messages sur l’alcool et la chute des talents servis avec le subtilité d’un marteau-piqueur, et intrigue de chasse à l’homme qui ne décolle jamais vraiment… on reste frustré. Le film aurait pu être un Fugitif moderne, haletant et addictif, il est plutôt… un concept gâché par un montage et un rythme mal calibrés. Bref, talent, humour noir et style Aronofsky sont là, mais le film n’arrive jamais à décoller vraiment. On sort avec l’impression d’avoir vu un thriller pas mal… mais qui aurait pu être beaucoup mieux.

Grand fan des films originaux avec Leslie Nielsen, j’attendais ce reboot avec curiosité. Malheureusement, le résultat est loin d’être à la hauteur. Certes, quelques gags fonctionnent et rappellent l’esprit parodique de la saga, mais l’humour est souvent trop absurde, voire gênant, au point de donner l’impression que le film s’étire malgré sa durée d’à peine une heure et demie. La scène où Liam Neeson se déguise en petite fille avant de grandir comme par magie illustre bien ce problème : ça surprend, mais ça ne fait pas rire. Le casting est aussi discutable. Leslie Nielsen incarnait naturellement l’idiot attachant ; on acceptait ses bourdes avec le sourire. Liam Neeson, qu’on associe à Taken ou La Liste de Schindler, semble mal à l’aise dans ce registre. Ses scènes comiques ressemblent plus à une humiliation qu’à de la parodie, comme l’interrogatoire absurde avec Busta Rhymes. Pamela Anderson, quant à elle, n’apporte rien de marquant, et son numéro musical tombe complètement à plat. En résumé, ce Naked Gun nouvelle génération mise trop sur le ridicule forcé et les gags scatologiques au lieu de s’appuyer sur un vrai sens du décalage. Il en ressort une comédie maladroite qui arrache quelques sourires, mais laisse surtout un goût amer de rendez-vous manqué. 👉 Un film qui aurait mérité un casting plus adapté (à la Very Bad Trip par exemple), et une écriture moins paresseuse.

Nostalgie oblige, j’ai replongé dans Souviens-toi… l’été dernier (2025), espérant retrouver un peu de l’ambiance 90’s et des frissons d’époque. L’emballage est réussi : beaux décors, atmosphère sombre, quelques meurtres efficaces… et bien sûr la présence de Jennifer Love Hewitt qui flatte les souvenirs des fans du premier volet. Malheureusement, tout s’effondre au moment de la révélation des tueurs, complètement ratée. L’intrigue devient ridicule, bricolée, et perd la crédibilité déjà fragile qu’elle avait. On a vraiment l’impression d’une idée sortie du cahier d’un ado de 12 ans. Les personnages, peu développés, peinent à intéresser, et le scénario repose davantage sur le fan service que sur une véritable tension. Au final, ce reboot ressemble à une porte d’entrée très soft pour adolescents qui découvrent à peine le genre horrifique, mais pour les spectateurs un peu plus exigeants, c’est trop creux et trop ringard. Déjà que le film de 1997 ne volait pas très haut, cette nouvelle version ne décolle même pas. À oublier.

Ah, ce Superman de James Gunn… On sent immédiatement le problème : moderniser et « humaniser » le héros à tout prix finit par le rendre lisse et trop gentil. Contrairement à Man of Steel, où Henry Cavill incarnait un extra-terrestre déchiré entre ses origines et ses responsabilités, ici Superman paraît trop coloré, presque banal, et ses dilemmes dramatiques n’ont aucune tension. L’interrogatoire avec Lois sonne faux et surjoué, Nicholas Hoult est totalement à côté de la plaque dans le rôle de Lex Luthor, et la guerre diplomatique censée être sérieuse devient ridicule. Quant à la Justice Gang… un véritable show cosplay, et Green Lantern version coupe « casserole » casse tout sérieux. Gunn, monté trop vite au sommet du blockbuster, mêle son humour borderline et ses gags pipi-caca à un univers qui devrait être sérieux et épique : le mélange détonne, mais pas dans le bon sens. Le seul moment un peu attachant reste Jimmy Olsen et ses photos. En résumé : frais et coloré, mais dépourvu d’épaisseur et de gravité. Gunn se croit le « Dieu des super-héros », mais il oublie que tous les univers ne supportent pas sa légèreté.

Dans les années 80 dans le Nord-Est de la France, deux adolescents, Clotaire et Jackie, tombent éperdument amoureux malgré leurs origines sociales opposées : elle est issue d'une famille bourgeoise alors qu'il vient d'une famille ouvrière. Leur histoire d'amour étant vouée à l'échec, le garçon devient un criminel et passe 12 ans en prison. Après sa sortie de prison, Clotaire est déterminé à reconquérir Jackie. L’amour ouf est un très beau film, une histoire d’adolescence qui ne s’éteint jamais. Il montre que, peu importe les différences de statut social, l’amour finit toujours par triompher, car c’est lui la véritable source du bonheur. Une très belle surprise, surtout pour un film français. Le mélange entre romance, crime et cette façon brillante de montrer comment l’un des personnages est abandonné en prison : du génie.

Levon Cade a abandonné une carrière militaire émérite avec les opérations spéciales pour vivre une vie simple d'ouvrier du bâtiment. Or, lorsque la fille de son patron est enlevée par des trafiquants d'êtres humains, sa recherche pour la retrouver met au jour un monde de corruption plus vaste que ce qu'il aurait pu imaginer. C’est du "Taken du pauvre", comme tu dis, ou du "John Wick en chantier", mais sans les néons ni les chorés stylisées 😂. On connaît les codes, on devine les rebondissements 30 minutes à l’avance, et pourtant… ça passe crème avec une pizza, une bière et le cerveau en veille. The Working Man, c’est un peu comme une barquette de lasagnes Lidl à 2,99€ : tu sais pertinemment que c’est pas du grand art, mais t’en ressors calé, réconforté, et un peu coupable d’avoir kiffé. Dans ce film made in Ayerland, Jason Statham incarne l’énième vétéran brisé qui bosse sur des chantiers foireux en espérant qu’on le laisse tranquille. Spoiler : personne ne le laisse tranquille. Faut dire que quand la fille du patron se fait enlever par un réseau de tarés, Statham reprend la caisse à outils, sauf que dedans y’a pas des tournevis — y’a des mandales. Clichés ? Tous cochés. Le mentor bizarre et flippant ? Sacrifié comme une offrande. Les ennemis ? Clonés dans une cave à stéréotypes. Le scénario ? Aussi linéaire qu’un épisode de Derrick sous Red Bull.

Deux jumeaux, Elijah et Elias, reviennent dans leur ville natale et essaient de laisser leur passé trouble derrière eux, mais ils découvrent qu'une menace encore plus grande les y attend. Sinners reste une œuvre audacieuse et pleine de talent. Mais en jonglant entre deux tons opposés sans choisir de camp, le film perd la force de son message et la folie de son concept. Là où Dusk Till Dawn est devenu culte par son audace, Sinners risque de n’être vu que comme un beau film bancal, ambitieux mais inabouti. une super intro, une esthétique de ouf, un acteur habité, mais un virage narratif qui m’a sorti du film. Respect pour la tentative — mais au final, c’est un "presque bon film", pas un grand film.