Mauricio C

Una vez, de pequeño, me detuve a ver el paso de las hormigas trabajadoras una tarde, en medio de un bello y verde jardín. Durante mucho tiempo, vislumbré un hecho impactante, propio de la naturaleza. Duró mucho tiempo, no aprendí mucho, pero se sintió como si hubiera sido testigo de un suceso poco visto por muchos. Ese pequeño instante vino a mi mente al ver "Ant-Man and the Wasp: Quantumania" (2023), una de las peores películas que he visto en mi vida, y, probablemente, una de las peores, burlescas y execrables cintas que pudieron ser proyectadas en la historia del cine. A priori, el CEO de Marvel Studios, Kevin Feige, afirmó que esta película era una de las más importantes del MCU. Luego de apreciarla, dudo de si el señor Feige conoce el concepto de "importancia", o tal vez es relativo en su mente. "Quantumania" no es arte, ni siquiera intenta serlo. Lo peor es que ni siquiera parece una película comercial, ni tiene ganar de parecerlo. Es, a mi vista, un chiste hecho a la medida de cierta audiencia específica. No define bien el guion, no define bien el desarrollo de sus personajes y todo es absurdo. Usualmente, reniego del mal impacto dramático de Marvel en sus películas, pero aquí es insoportable. Es despreciable esta cinta en todo sentido. El diseño de M. O. D. O. K. apesta, la dirección es obscena (Peyton Reed en su peor estado) y la fotografía es una especie de manifiesto anticultural para los ojos de los cinéfilos. Ni hablar de la banda sonora, que no brinda ninguna emoción. Ni siquiera la película es salvada por las actuaciones. Pésimos Bill Murray, Michael Douglas, Michelle Pfeiffer, Paul Rudd, Evangeline Lilly, y un Jonathan Majors pseudodramático, pero patético. No hablaré de la actuación de Kathryn Newton, no por ser lo más malo de la cinta, sino porque ya mucho se habló de eso, y dudo que aporte algo nuevo. En resumen, es una bazofia todo. Jamás creí odiar tanto una película, pero reconozco que odio más la cuarta película de Thor. Pero esta, esta cinta no tiene adjetivo, ni merece tenerlo. Es lo más mediocre del cine comercial, pues insulta al séptimo arte, ofende a mis ojos y a todo aquel cineasta que lucha por sacar adelante su proyecto personal. Cuánto darían cineastas como Paul Thomas Anderson o Darren Aronofsky por tener una publicidad de filmes como la tuvo "Quantumania". Y Disney no supo aprovecharla. Es basura, solo basura.

No hay mucho que reprocharle a "There Will Be Blood" ("Petróleo Sangriento", 2007), una de las películas más grandes del autor Paul Thomas Anderson. Es una historia sobre un hombre que emerge como empresario petrolífero, ganando una gran fortuna y volviéndose más codicioso e irascible. Suena como una típica película de "rico = malo", pero este no es el caso, pues la película desarrolla la caída del personaje de Daniel Day-Lewis, llamado Daniel Plainview, a no la locura, sino una especie de lujuria económica, una lujuria mental sobre sí mismo y contra todos. "There Will Be Blood" es una retrato de un hombre autodestructivo el cual parece no ser consciente de sus acciones, y nunca lo será. Ya es demasiado para el mismo Plainview. La premisa de la cinta suena como la clásica película de hombres que se vuelven ricos con el petróleo, y que termina en una sangrienta traición. Este no es el caso. La violencia es escasa, prácticamente nula, hasta la parte final del filme. Todo es un lento avance en torno a Plainview, su hijo adoptivo, H. W., su ascenso en el rubro del crudo, y su comienzo de locura violenta. Day-Lewis se sumerge excesivamente en su papel, tanto que enferma al espectador, pues recuerda a actuaciones de antaño del método, poco usadas hoy en día. Anderson controla la cámara de una manera magistral. La paleta de colores es sombría, cada vez más agridulce conforma avanza la trama. La instrumentación es excelente, digna de una de Kubrick. Lo que hace tan especial a "There Will Be Blood" es cómo Plainview pasa de ser un empresario común y corriente, a un hipócrita, iracundo y agresivo ser. Day-Lewis no estalla en ira en la película con su voz, solo grita con total dolor en la parte donde es obligado a admitir que dejó a su hijo. En vez de los ataques irascibles, los gestos y la mirada son imprescindibles. Anderson dirige todo con total naturalidad, tanto que parece algo personal. Las escenas pasan y pasan, con ritmo lento pero sumiso al director, con una sensación de saber a qué va la película. La verdad es que la película no quiere llegar a un punto específico, sino al punto álcido de la demencia obsesiva de Plainview, su arrogancia y locura máxima, expresada en el baño de sangre de la escena final, donde mata brutalmente al pastor Eli Sunday, interpretado por un gran Paul Dano. Eso me recuerda que la religión juega un papel menor en el filme, pero que es igual de importante. Plainview es "obligado" a ser convertido a la religión de la que Eli es pastor, la única iglesia en el pueblo donde extrae petróleo. Solo acepta la conversión para poder conseguir un terreno para seguir extrayendo crudo. Todo es en vano. La escena sangrienta del final refleja cómo Plainview se convierte en un "Dios", metafóricamente hablando, destruyendo el pensamiento de Eli, humillándolo, obligándolo a negar a su Creador. Destruye la esperanza, y destruye a todo al que le tiene aprecio. Ni su hijo adoptivo se salvó de su furia. En fin, "There Will Be Blood" es un estudio psicológico de la avaricia del hombre, y cómo se llega a las últimas consecuencias. Anderson, como siempre, bueno y excelente. Day-Lewis es magistral y perfecto. Esta cinta es una de las más grandes del siglo XXI, y recuerda que el poder del dinero conllevará a más poder, pero, sino se controla, nos convertiremos en "dioses" y mataremos todo lo que tenemos por delante. Una metáfora, obviamente...

Las películas bélicas tienen, por lo general, un fallo repetitivo en sus fórmulas. Batallas épicas, escenas sangrientas, sufrimiento humano, redención o escenas emotivas/tristes. Sin embargo, pocas películas llegan a mostrar el pesar y el dolor humano sin que el protagonista exprese de manera exagerada las emociones como "El pianista" (2002). El controvertido maestro Roman Polanski volvió a lo grande, en una demostración de una vigencia envidiable y una percepción difícil del ser humano, seguro basada en sus traumáticas experiencias de la guerra. Posiblemente la parte más conmovedora de la cinta no es una en la que el pianista sufre, sino una en donde su dolor es entendido mediante un ente abstracto, divino: la música. Cuando un soldado nazi encuentra al pianista hambriento y paupérrimo, al enterarse de la que era su profesión, el pide tocar el piano. La pieza de Chopin tocada por el protagonista no es simplemente una que una al pianista y al soldado nazi, sino representa a la humanidad misma. Es el modo más racional y humano para unir a dos seres con ideas opuestas, separadas por la guerra y las ideologías. Es el puente interior a las puertas del alma del hombre. La música salva al pianista, en la que, en mi opinión, es la escena más triste y conmovedora de la película. Es casi imposible que vuelva a ver una obra parecida a "El pianista", no solo por la total autoría de Polanski, sino porque es difícil encontrar a otro artista que exprese sus emociones, proyectando su persona en otra, de la manera en la que un superviviente de la ferocidad de la guerra pueda hacer. Es minimalista, sencilla, sin tanta expresividad, sin tanta sangre, sin tantas muertes ni gritos de dolor. No hay muchos llantos, solo dolor humano percibido en los ojos de los personajes. Hace poco, pero hace mucho. No exagera, pero tampoco es soso. Es el equilibrio perfecto, es la expiación de los recuerdos de Polanski, tal vez un ejercicio de reflexión y perdón para un hombre que ha sufrido mucho, pero, a la vez, ha causado daño a otros. Nunca podrá ser olvidada la polémica de Polanski, pero tampoco se olvida que es uno de los últimos artistas de cine. "El pianista" pudo ser su testamento, y es estremecedor.

Una de las películas más sorprendentes del 2019, "Parásitos" ("Gisaengchung" en la romanización revisada del coreano) es la películas surcoreana definitiva de los últimos años. Su director, Bong Joon-ho, muestra una historia donde se notan los paralelos de dos clases sociales distintas, que se relacionarán de manera afable, hasta acabar de la manera más brutal posible debido a impactantes actos anteriores. Con un reparto sublime encabezado por su magistral protagonista Song Kang-ho, "Parásitos" sigue las duras vivencias de los Kim, una familia pobre. Con el fin de ganar algo de dinero y elevar el status social de la familia, cada miembro logrará ser contratado en la casa de la rica familia Park, a través de verdades y engaños. Poco a poco, los Kim sacarán provecho de los ingenuos Park, y vivirán como "parásitos" en su lujoso hogar: "escondidos" como trabajadores en la casa, pero "descubiertos" cuando los Park no estén o no se den cuenta. Sin embargo, la inesperada visita de regreso de la antigua ama de llaves de la familia Park llevará a inesperados sucesos, que desencadenarán una masacre sangrienta. Con un estilo sutil y fotografía poderosa, "Parásitos" ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes, el Globo de Oro a Mejor Película de Habla no Inglesa, el Óscar a Mejor Película de Habla no Inglesa y el mismísimo Óscar a Mejor Película. Bong Joon-ho obtuvo el Óscar a Mejor Director, ratificando su maestría total en su filme. A pesar de sus logros, "Parásitos" parece nunca "terminar" del todo en su propia trama. Los simbolismos y el potente mensaje, crudo y pesimista, parecen ensalzar la película a niveles poco vistos en los últimos años. Una sangrienta crítica social en pleno 2019, "Parásitos" despierta un revitalizado interés en las jerarquías sociales en nuestra actualidad. Sea Corea del Sur o cualquier país uno desarrollado o no, la pobreza alcanza a cualquier persona. Un estado del que muchos buscan escapar. Por otro lado, la riqueza trae estabilidad, pero despierta el egoísmo en algunos. Una continua lucha emocional y mental entre dos clases sociales distintas será el punto de choque principal en la película. Un tema que muchos no suelen tocar ni realizar revisionismo, pero que es necesario recordarlo en cada momento de nuestras vidas. En síntesis, "Parásitos" despierta el horror disfrazado de felicidad y tristeza, dependiendo del contexto social, en cada uno. Una realidad sombría y oscura que nunca desaparecerá. Todos somos parásitos, y estamos condenados a serlo, seamos ricos o pobres (o ninguna opción anterior). Solo queda soñar, hasta despertar en negro... Calificación: 92 %

Basada en la vida del autodestructivo boxeador profesional Jake LaMotta, el "Toro del Bronx", "Toro Salvaje" nos sumerge en una historia de odio, violencia y culpa, en un momento delicado de la vida de su director, Martin Scorsese. En medio de su adicción a la cocaína y del fracaso de "New York, New York" (1977), Robert De Niro convenció a Scorsese de rodar una película basada en un libro autobiográfico del mismo Jake LaMotta. En medio de una etapa oscura en su vida, Scorsese rompió todos sus demonios internos rodando cada pizca de sangre sobre el ring en donde De Niro daba muestra de una actuación impecable, por la que ganaría el Óscar a Mejor Actor. Y no solo impecable, sino que aterradora. Es un monstruo en acción, un perro salvaje sin control, rabioso y listo para atacar. Junto a un gran Joe Pesci y una joven Cathy Moriarty, "Toro Salvaje" mostró el lado oscuro en la vida de un brutal boxeador, violento con su familia y codicioso en exceso. Un "Rocky" sumamente agresivo, y no dirigido para la familia. Su estilo técnico es simplemente hermoso. El montaje de Thelma Schoonmaker hace de esta película un brusco cambio de emociones, base del expresionismo de esta película. El guión del único Paul Schrader es, como en "Taxi Driver" (1976), colosal y tormentoso. La fotografía y el estilo en blanco y negro de la cinta refleja la turbia vida del protagonista. Criticada por su violencia puesta en escena, Scorsese mostraba el lado oscuro de un hombre atrapado en sus deseos, ambiciones y demonios, al igual que él en dicho momento. Violencia, lujuria y redención se mostraron en "Toro Salvaje", que desafiaba a un cine envuelto en películas que buscaban esperanza. Y no solo les arrebata la esperanza, sino la propia luz. El blanco y negro conecta con el frío mundo interno de LaMotta, y forma una imagen imaginaria de un hombre encadenado y encarcelado en un infierno negro. La autodestrucción en su máxima expresión. Calificación: 96 %

El cine es complejo, a veces, enigmático y misterioso. Amado, odiado, polémico, conmovedor, cultural y experimental, el séptimo arte es único en la historia. Ahora bien, para algunos, el cine es comedia ("Annie Hall", "Ms. Doubtfire"), acción (saga Rápidos y Furiosos, saga de James Bond), superhéroes ("Spider-Man", "El Caballero de la Noche"), drama histórico ("Lawrence de Arabia", "La lista de Schindler"), fantasía (saga del Señor de los Anillos), ciencia ficción ("Star Wars", "Blade Runner"), sátira social ("Dr. Strangelove", "Ciudadano Kane"), biopics ("Toro Salvaje", "Mi pie izquierdo"), gángsters ("El Padrino", "Goodfellas") wésterns ("The Searchers", "El bueno, el malo y el feo"), suspenso ("Psicosis", "Tiburón"), etc. Sin embargo, para otros, el cine es entretenimiento, pero una fácil y de poca calidad (como la mayoría de películas de Adam Sandler). El caso de Latinoamérica no es indiferente, y menos el de Perú. El cine peruano ha sido magnífico ("La ciudad y los perros", "La teta asustada"), pero ha tenido una caída increíble con el pasar de los años. "Papá Youtuber" es la cima, pero la cima de la decadencia máxima del cine peruano. Llena de películas de comedia mediocre, el séptimo arte en Perú viene sufriendo demasiado. Así como al cine contemporáneo, lo comercial inunda los cines. Lejos queda el cine independiente que salvó los setenta en Hollywood y el cine de autor y experimental de la "Nouvelle vague". Pero nunca había visto algo tan perturbador, en todo sentido, en la cinematografía del país andino. La trama es intetesante, pero su desarrollo y desenlace es inexplicablemente torpe. No es culpa del reparto, pero la dirección y el guión son digmos de un Razzie. La crítica le debe mucho al cine, pero, en este caso, no es recíproco. Es antónimo de arte, pero arte a la vez (gracias, Tólstoi). El cine peruano debe tomar un camino hacia la reivindicación, como en el cine de Lombardi y Llosa. Pero, hasta el momento, seguiremos en el infierno de Dante... Calificación: 0 %

Considerada la película hermana de "Buenos Muchachos" (1990) y parte del renacer del cine de mafia de los años noventa ("Carlito's Way", "A Bronx Tale", "Brasco"), esta película, dirigida por Scorsese, es una lenta visión en el ciclo de vida de un casino, cuya caída estrepitosa afectará a todos los involucrados. "Casino" (1995), basada en el libro homónimo de Nicholas Pileggi, relata el apogeo de un casino (el Tangiers) administrado por dinero de la mafia en Las Vegas, y dirigido por Sam "Ace" Rothstein (un sereno Robert De Niro), un apostador experto judío. Amistado con Nicky Santoro (un desatado Joe Pesci), comenzará una aventura amorosa con Ginger McKenna (una brillante Sharon Stone), que se convertirá en un triángulo amoroso autodestructivo, y que será el detonante del fin del casino Tangiers en Las Vegas. La manera en que Scorsese relata detalladamente la manera en cómo funciona el negocio de la mafia en el Tangiers es fascinante, aunque un poco menos poderoso que la experiencia previa en "Buenos Muchachos". El vestuario es elogiable, al igual que las actuaciones (Stone fue nominada al Óscar a Mejor Actriz). Además, el montaje y la banda sonora funcionan acorde a las escenas. A pesar de su estilo refinado y sucio, "Casino" empieza la tendencia a alargar aún más la historia, lo que la agobia un tanto. No es perfecta, pero tampoco es una mala película, ni merece ser vista como tal. La polémica supo rodearla como a muchas películas de Scorsese, pues el final sangriento casi le vale una clasificación NC-17 en los cines. Realizando un revisionismo de la película, parece ser más completa en algunos detalles en los que "Buenos Muchachos" flaqueó un tanto. En fin, una buena historia, un final que tal vez pudo ser mejor, pero con un fino estilo marcado por su cineasta. Calificación: 81 %

En mi opinión, una de las películas más majestuosas, nostálgicas e imponentes jamás hechas. "La última película" (1971), dirigida por Peter Bogdanovich, es digna de admirar para todo cinéfilo. Una joya poco conocida de los años setenta, en blanco y negro y lenta, pero con corazón y alma que conmueven profundamente. El elenco es, sin duda alguna, un mérito dentro del filme. Jeff Bridges, Timothy Bottoms, Cybill Shepherd, Ben Johnson, Cloris Leachman, Ellen Burstyn, Eileen Brennan, entre otros, transmiten emociones difíciles de expresar para la mayoría de actores. Lo magistral de sus actuaciones radican en su lento desarrollo, el silencio de acompañante y la tensión constante. Bogdanovich se distingue en la dirección, y se aprecia su cariño por las películas. El guion, adaptado de una novela semiautobiográfica de Larry McMurty, es impecable. La fotografía es elogiable, al igual que el montaje. La ausencia de casi la totalidad de una banda sonora es un hermoso recurso en "La última película". Pero lo que deja sin descansar la mente en toda la cinta es la intermitente tensión sexual entre los protagonistas. Nunca en mi vida había visto una película que hablara de temas sexuales tan impecable y pulcra. Para mí, la nostalgia en referencia al viejo cine es una constante en los inicios de Bogdanovich. Aunque ligera, se aprecia y se siente en sus cintas primerizas. Y es esa nostalgia la que conecta, en paralelo, con el tema de la película: la "degradación" de la juventud, mientras que las viejas costumbres de un pueblo caen en el olvido. De hecho, lo último que parece quedar sin vida es un pequeño y viejo cine. Ese cine, olvidado y menospreciado, es el simbolismo más perturbador que he conocido. Porque Bogdanovich nos da a entender que el cine es lo último que debe perderse. Si se olvida, todos estamos condenados. El cine, para Bogdanovich, es el alma del hombre. Su pasión y obsesión. Su razón para existir. En medio del descubrimiento sexual de los jóvenes, el cine está presente. Cuando todo acaba, el cine muere. Y esa última película de John Ford que se proyecta al final, representa el fin de una era. Todo muere. El pueblo se convierte en uno fantasma. Sin vida, sin cine. En conclusión, "La última película" habla por sí misma. No necesita ser defendida ni criticada. Solo admirada. Porque esta película de Bogdanovich es más que un relato de un pueblo cayéndose en todo sentido. Es la muerte del cine. De eso habla, y nada más. No lo sexual. Sin cine, no existe nada más. Sin cine, nada somos... Calificación: 99 %

Hay películas mediocres que, a pesar de obtener dicha denominación de mi parte, revisan temas complejos. Otros filmes no son tan perfectos por ligeros líos, pero encuentran manera de sobrellevarlos, y garantizar un buen guion. "Thor: Amor y Trueno" (2022), otro filme de Marvel, no es compatible con ninguna de las dos opciones, nominadas para este tipo de cintas. El director de esta película, Taika Waititi, tenía todo lo posible para realizar un filme decente, acorde a los temas abordados en el libreto. Sin embargo, logró que una película, donde apareciesen tres actores ganadores del Óscar (Christian Bale, Natalie Portman y el "superfluo" Russel Crowe) y dirigida por él mismo, otro ganador del Óscar (a Mejor Guion Adaptado en 2019 por "Jojo Rabbit"), fuese una de las películas más odiosas, irritantes y burlescas del cine de los últimos tiempos. La fotografía no es impactante, el montaje es extraño, pero lo que impacienta son el guion y sus chistes peripatéticos. Este humor nació dentro del MCU con el estilo de James Gunn en la saga de "Guardianes de la Galaxia". Si bien son irritantes por momentos en dicha franquicia, se sienten un poco más "normales" o fluidos, ya que ese es el estilo que Gunn ofreció, normalizando una infantilización constante en el cine de superhéroes. Con puntos altos y bajos, esta copia de humor infantil/negro crea una abominación que Waititi no supo controlar. La aparición de cabras extraterrestres gritando aleatoriamente es, realmente, un desperdicio de plano en la cinta. En cuanto a la banda sonora original, muy floja. Las canciones usadas de Guns N' Roses no funcionan en las escenas elegidas. Casi nada funciona en este filme. Por otro lado, los actores no sobresalen en ninguno momento, con la excepción del magistral Christian Bale. Bale siempre supo "absorber" la esencia de sus personajes, desde "Psicópata americano" (2000) hasta "Vice" (2018). En "Thor: Amor y Trueno", él solo parece tomarse en serio el papel que tiene. No es perfecto, pero es de lo único rescatable para el ganador del Óscar en 2011. Totalmente fuera de lugar es la interpretación mediocre del Russel Crowe más caricaturizado que he visto. Es comprensible que actores de talla de antaño como Robert De Niro o Morgan Freeman a veces tengan papeles realmente mediocres o hasta enfermizos. Pero lo que hace Crowe es más que un pecado al arte. Es algo abstracto, difícil de explicar. El hecho de que se levante la falda al interpretar al supuesto dios Zeus quita el honor del Óscar ganado por "Gladiador" (2000), y el que pudo ser por su conmovedora actuación en "Una mente maravillosa" (2001). Natalie Portman es un caso aparte. Su actuación no es tan mediocre, pero no es buena ni rescatable. Una mejor performance la tuvo cuando apenas era adolescente en "Heat" (1995). Sobre el reparto, mejor no hablar ni mencionar, o mejor dicho, escribir. Mucho no tiene esencia ni significado en "Thor: Amor y Trueno". Es una gran burla al cine, al arte y al esfuerzo de muchos hombres detrás de una pantalla. Simplemente, este filme se esfuerza por estar entre las peores jamás hechas en la historia. Y, lo peor de todo, lo logra. Calificación: 15 %

Hay mucho qué decir sobre el director Damien Chazelle y sus grandes esfuerzos por hacer cine, "cine" de verdad. Pocos directores han tenido un inicio tan prometedor, incluyendo a Tarantino y Lynch. "Whiplash" (2014) fue el segundo largometraje de Chazelle, y logró lo que pocos obtienen al inicio de sus carreras: reconocimiento. "Whiplash" es la historia de un chico, y su creciente obsesión pro la perfección en su carrera como baterista, condicionado por un obstinado y abusivo instructor. Los protagonistas, Miles Teller y J. K. Simmons, brillan por luz propia en toda la cinta. Siendo, a la vez, estos dos los únicos que parecen ser esenciales, en este tipo de filme "claustrofóbico". El personaje de Teller quiere ser un buen baterista, practica arduamente y se entrega a su pasión. Sin embargo, al conocer a un peculiar profesor, interpretado por Simmons, su pasión se convertirá en obsesión, y esta en autodestrucción. "Whiplash" explora la tesis del personaje de Simmons, Terence Fletcher, la cual sostiene que, exigiendo a nivel obsesivo la perfección a un alumno, este rendirá de mejor manera, y sobresaldrá entre todos. La película no busca enseñar ni moralizar, pero expone el drama de dos hombres obsesivos hasta el límite, capaz de arriesgar todo por la música. Chazelle utiliza una fantástica fotografía, aun más impresionante si se toma en cuenta que el plató principal de la película es un salón cerrado de un instituto musical. El montaje es preciso, y la banda sonora, en los momentos de mayor tensión, es perfecta. Una cinta que no explora temas tan complejos que se desvían del tema, pero tampoco es tímida al querer mostrar y explicar su argumento. Simplemente es una muestra del potencial de la dirección de Chazelle. Las actuaciones de los dos protagonistas son magistrales. Por algo Simmons ganó el Óscar al Mejor Actor de Reparto. Y es que logra explotar por completo una ira destructiva egoísta y perfeccionista. El personaje de Fletcher es difícil de explicar. Esa complejidad es la que Simmons transforma en maestría total a la hora de actuar en el filme. Teller también parece convencerse de su propio personaje. La inseguridad y angustia es transmitida con naturalidad a lo largo de la cinta. Su compleja historia se asemeja a anteriores estudios psicológicos de hombres solitarios o al límite, como "Taxi Driver" (1976) o "No Country for Old Men" (2007). Todo, absolutamente todo, es convencible. La obsesión se siente, se respira y se entiende. Conmueve ver esta extraña idea de la perversión de lo que nos apasiona, de cómo muta de un sueño y diversión a una forma de camino a la fama y al perfeccionismo, sin importar el arduo u horrendo camino. En fin, "Whiplash" habla por sí misma, enseña una paleta de colores imagen por imagen -dependiendo del contexto-, expone los límites de un "hobby" o diversión y advierte de sus peligros. Pero al final de la película, solo queda por comprobar la teoría de Fletcher: el abusivo trato llevó al personaje de Teller a la excelencia en la batería. A veces, la obsesión lleva a la perfección; sin embargo, otra veces tiene consecuencias fatales... Calificación: 93 %