Charlie Montelongo

Expediente Maybrook – Noche del 2:17 a.m. Dicen que, en un suburbio cualquiera, una clase entera de niños decidió desaparecer... de la nada. No gritos. No huellas. Simplemente… se esfumaron pasadas las 2:17 de la madrugada. Solo quedó uno. Solo él vio—o escuchó—algo que ninguno se atreve a contar. La trama inicia como una pesadilla que no quieres despertar, cada fragmento un recorte inquietante de vidas que se retuercen en la penumbra: una profesora (Julia Garner) convertida en chivo expiatorio, un padre (Josh Brolin) consumido por la culpa que busca respuestas como quien invoca a lo desconocido, un policía roto (Alden Ehrenreich) y un pueblo que se deshila en acusaciones, histeria y rituales no escritos. La narrativa se desenvuelve como un mosaico de realidades—escenas repetidas desde distintos ángulos, recuerdos que se fragmentan y se reflejan hasta que ya no sabes qué es verdad. Cregger te lleva por espejos rotos donde cada reflejo es a la vez familiar y perturbador. El horror aquí no lo genera un ente convencional, sino el vacío que habita entre lo urbano y lo sagrado. No son sombras visibles, sino huidas sincronizadas, acusaciones silenciosas, una sensación equivocada de comunidad hasta que todo se rompe. La atmósfera es tan tensa que parece construir una realidad alternativa, una que puede existir en cualquier ciudad. Terrible porque nos recuerda que, ante lo inexplicable, los humanos buscamos respuestas rápidas... y muchas veces equivocadas. Y aunque todo parezca sombrío, hay momentos donde el horror se mezcla con humor negro, como una risa incómoda en medio de una tormenta, y eso es lo que hace que no olvides esta historia.

En un vecindario suburbano típico de los años 80, el excéntrico inventor Wayne Szalinski trabaja en su último y más ambicioso proyecto: una máquina capaz de encoger objetos mediante un rayo láser. Sin embargo, su entusiasmo por la ciencia y su carácter distraído le han ganado más frustraciones que éxitos, además de la creciente preocupación de su familia y la burla de sus vecinos. Todo cambia un día cuando, por un accidente inesperado, la máquina encoge a sus dos hijos y a los hijos de los vecinos, reduciéndolos al tamaño de un insecto. Lo que comienza como un experimento fallido pronto se convierte en una misión de supervivencia épica. Los niños, ahora diminutos, deben atravesar el jardín trasero de la casa, que se ha transformado en una vasta selva plagada de peligros inimaginables. Las hojas de pasto se convierten en árboles gigantes, una simple migaja de comida es una fuente de alimento crucial, y una hormiga, inicialmente aterradora, se convierte en un aliado valioso. Todo, desde el clima hasta el funcionamiento del aspersor, representa una amenaza mortal en este mundo a macroescala. Mientras tanto, Wayne y su esposa Diane descubren lo que ha ocurrido y luchan contra reloj para reparar la máquina y encontrar a los niños antes de que sea demasiado tarde. Entre sus intentos desesperados y cómicamente torpes por localizar a los pequeños, la película muestra cómo una familia, aunque marcada por sus diferencias y conflictos cotidianos, puede unirse ante la adversidad. "Querida, encogí a los niños" es una película que destaca por su creatividad visual y narrativa. Los efectos prácticos y la construcción de sets gigantes transforman lo cotidiano en algo extraordinario, presentando el mundo desde una perspectiva completamente nueva. La historia equilibra momentos de humor, tensión y emoción, explorando temas universales como la importancia de la familia, el trabajo en equipo y la capacidad de adaptarse frente a lo inesperado. Esta película no solo marcó un hito en el cine familiar de los años 80, sino que también capturó la imaginación de generaciones al mostrar cómo la ciencia, aunque imperfecta, puede ser el punto de partida para aventuras inolvidables.

En un mundo inundado donde la humanidad es solo un recuerdo, un gato despierta solo en medio del vasto océano. Sus pasos lo llevan a un barco habitado por otros animales, cada uno cargando su propia historia y sus propios temores. Aunque no hay palabras humanas, los animales tienen su propio idioma: un lenguaje de miradas, gestos y sonidos que dicen más que cualquier diálogo. En ese barco, la desconfianza inicial da paso a una convivencia frágil pero llena de significado. El océano se convierte en un personaje más, un adversario inmenso que los empuja a aprender a confiar y a apoyarse mutuamente. Las tormentas que enfrentan no son solo físicas, sino emocionales, y cada remada hacia el horizonte es un pequeño triunfo sobre la soledad y el miedo. La película, con su animación deslumbrante y una banda sonora que es casi un lenguaje en sí misma, lleva al espectador por un viaje que no busca dar respuestas claras, sino hacer preguntas profundas. Flow nos recuerda que la supervivencia no es solo física, sino también emocional, y que incluso en un mundo roto, hay belleza en la unión y la esperanza. Al final, cuando el barco desaparece en el resplandor del amanecer, no hay certezas sobre su destino, pero hay algo más poderoso: la certeza de que, incluso frente al vacío, la conexión y la cooperación pueden ser faros en la oscuridad. Porque en este viaje, no se trata solo de encontrar tierra firme, sino de redescubrir lo que realmente importa: la capacidad de salvarnos unos a otros.

El profesor Philip Goodman, un escéptico dedicado a desacreditar lo paranormal, recibe tres casos inexplicables que desafían su lógica y creencias: un guardia aterrorizado en una fábrica, un joven que experimenta un accidente inquietante, y un banquero acosado por extraños fenómenos en su hogar. A medida que Goodman profundiza en cada caso, empieza a enfrentar no solo lo desconocido, sino también sus propios miedos y traumas. Lo que comienza como una búsqueda de respuestas racionales se convierte en un viaje oscuro y personal, donde la realidad y la ilusión se entremezclan, culminando en un giro final impactante que redefine todo lo ocurrido.

"Sonic 3" es la entrega más ambiciosa y emocionante de la saga, continuando la historia justo donde quedó "Sonic 2". Sonic, ahora el héroe consolidado de Green Hills, enfrenta nuevos desafíos cuando Shadow the Hedgehog, un misterioso y complejo rival, entra en escena. A esto se suma el regreso del Dr. Robotnik, interpretado nuevamente por un Jim Carrey más hilarante y desquiciado que nunca. La película destaca por su acción desenfrenada y su fidelidad a los videojuegos, con secuencias que parecen sacadas directamente de los niveles más icónicos. Desde persecuciones a alta velocidad hasta enfrentamientos épicos, el director Jeff Fowler logra un equilibrio entre adrenalina y narrativa emocional, explorando las relaciones entre Sonic, Tails y Knuckles, quienes tienen más protagonismo en esta entrega. "Sonic 3" no solo consolida a la franquicia como un referente en adaptaciones de videojuegos, sino que también ofrece una experiencia cinematográfica inolvidable, llena de humor, corazón y sorpresas. Una aventura épica que no solo honra su legado, sino que lo eleva a nuevas alturas.

La historia sigue al famoso caso de Rodney Alcala, un tipo que en 1978 logró participar en The Dating Game—el clásico show de citas donde los solteros trataban de ganarse el corazón de alguien con respuestas ingeniosas—. Lo que nadie sabía, incluido el público, era que este sujeto ya tenía una lista de víctimas antes de aparecer en televisión. "¡¿Cómo dejaron que eso pasara?! ¡Es como si Freddy Krueger participara en 'Un Minuto para Ganar'!" Dirigida por la increíble Anna Kendrick, quien también protagoniza como Cheryl Bradshaw, la concursante que eligió a Rodney como su cita (¡spoiler alert: se arrepintió después!), la película mezcla drama, thriller y esa vibra de los 70 que se siente como un cassette de ABBA con un lado oscuro. Kendrick hace un trabajo sólido, capturando el desconcierto y la vulnerabilidad de alguien atrapado en un evento mucho más grande y peligroso de lo que imaginaba. El guion tiene sus momentos de tensión bien trabajados, aunque algunas escenas se sienten un poco alargadas. Eso sí, la ambientación de los 70 es de primera. Desde los trajes hasta los sets, es como si hubieran sacado todo del baúl de los recuerdos... aunque este baúl probablemente tenga un letrero que dice: "No abrir, peligro." "En conclusión, El Asesino del Juego de la Cita es una película que vale la pena ver si te gustan los thrillers psicológicos o si quieres salir de tu zona de confort cinéfilo. No es un paseo fácil, pero como decimos aquí en la Guarida: 'A veces, la mejor manera de enfrentar tus miedos es mirarlos directo a los ojos… desde el sofá, con las luces prendidas, claro.'"

El sol ascendía majestuosamente sobre la sabana africana, iluminando un mundo vibrante lleno de vida. Sin embargo, esta no es la historia del amanecer de Simba, sino de su padre: Mufasa, el líder que marcó un legado que perduraría por generaciones. Todo comienza con un rugido lejano, pero no el de un rey. Antes de ser el majestuoso león que todos conocemos, Mufasa era solo un cachorro, lejos de imaginar que su destino lo llevaría a gobernar las Tierras del Reino. Nacido en circunstancias humildes y enfrentando desafíos desde su juventud, Mufasa tuvo que aprender que ser un líder no significa ser invencible, sino ser sabio, compasivo y, sobre todo, perseverante. La historia se entrelaza con relatos de Rafiki, Timón y Pumba, quienes comparten sus recuerdos de un Mufasa joven enfrentando pruebas que forjaron su carácter. Desde enfrentamientos con su hermano Taka, el león que luego conoceríamos como Scar, hasta las decisiones difíciles que lo obligaron a elegir entre su propio bienestar y el de los demás, cada paso de su viaje nos muestra cómo se convirtió en el rey que guió a Simba. El paisaje es deslumbrante: la animación captura cada detalle de la sabana, desde los rayos dorados del sol hasta el movimiento del viento entre las hierbas. La banda sonora, que combina nuevas composiciones con los inolvidables temas de Hans Zimmer, envuelve cada momento, haciéndonos sentir que estamos allí, acompañando a Mufasa en su camino. Aunque sabemos cómo termina esta historia, la película nos recuerda que el verdadero legado de un rey no es solo lo que deja atrás, sino las lecciones aprendidas en el camino. "Mufasa: El Rey León" no solo es un homenaje a un personaje icónico, sino una exploración emotiva de cómo incluso los más grandes líderes empiezan desde lo más humilde. Es un recordatorio de que cada amanecer trae consigo la oportunidad de forjar un futuro brillante.

Era una noche de Halloween, el viento soplaba suavemente mientras las hojas crujían bajo los pies de los niños que iban de puerta en puerta pidiendo dulces. Pero no todo era diversión... en las sombras se escondía un misterio que solo nuestros amigos de Mystery Inc. podían resolver. Después de tantas aventuras, Fred, Daphne, Velma, Shaggy y, por supuesto, Scooby-Doo pensaron que habían alcanzado la cima: lograron capturar a Coco Diablo, la genio detrás de los disfraces más icónicos de sus enemigos. ¡Trabajo resuelto! ¿Qué podría salir mal? Pues... resulta que resolver misterios ya no era lo mismo sin villanos aterradores. La rutina empezó a pesarles y el equipo se preguntaba si los mejores días de Mystery Inc. habían quedado atrás. Pero justo cuando parecía que la emoción había terminado, una nueva amenaza llegó para sacudirlo todo. Algo o alguien estaba empeñado en arruinar Halloween, y esta vez necesitarían ayuda... ¡de Coco Diablo! ¿Podría la pandilla confiar en alguien que había sido su enemiga? Lo que sigue es una montaña rusa de aventuras, persecuciones clásicas (con música incluida, porque un misterio sin ritmo no es un misterio) y momentos que realmente marcaron la diferencia, sobre todo para Velma Dinkley. En una inesperada vuelta de tuerca, Velma experimenta un flechazo al conocer más de cerca a Coco. Fue un momento sencillo, pero lleno de significado: por primera vez, el personaje que muchos sospechaban desde hace décadas fue confirmado como parte de la comunidad LGBTQ+. La película también brilló en lo visual. Los colores vibrantes, el dinamismo de la animación y las expresiones exageradas de siempre nos recordaron por qué Scooby-Doo es un clásico. Claro, algunos giros de la trama eran predecibles, pero eso no le quitó el encanto a esta historia que equilibra nostalgia y modernidad de manera magistral. Al final, Coco no solo ayudó a salvar Halloween, sino que también dejó claro que hasta los villanos pueden tener un lado amable... bueno, al menos a veces. La pandilla recuperó la chispa, y nosotros, los fans, tuvimos una experiencia divertida, conmovedora y perfecta para la temporada. Así que, ¿vale la pena verla? ¡Definitivamente! Prepárate para una dosis de humor, misterio y mucha emoción con "Trick or Treat Scooby-Doo!".

Imagina esto: entras a un hospital en plena madrugada. Las luces parpadean, los pasillos parecen interminables, y el silencio solo es roto por el eco de pasos que no deberían estar allí. Para Rebeca, una joven enfermera en su primer turno nocturno, esto no es un escenario inventado; es su realidad. Pero lo que parecía una noche de trabajo se convierte en una experiencia aterradora cuando la leyenda de "La Planchada" comienza a cobrar vida. Desde el inicio, la película busca capturar la estética retro que ha sido popularizada por fenómenos como Stranger Things: luces de neón, un ambiente de suspenso inspirado en clásicos del cine ochentero y una música que intenta emular los sintetizadores inquietantes. Sin embargo, en lugar de aprovechar esta atmósfera para resaltar la identidad mexicana de la historia, "Turno Nocturno" parece inclinarse más hacia un estilo genérico, casi gringo, que desdibuja sus raíces culturales. El centro de la historia, "La Planchada", una figura fantasmagórica del folclore mexicano, queda atrapado entre el intento de rendir homenaje a las leyendas locales y una ejecución que prioriza sustos fáciles y estéticas estilizadas sobre profundidad. Rebeca, interpretada de manera convincente por Paulina Gaitán, enfrenta sucesos paranormales en un hospital que, aunque visualmente impactante, no logra transmitir el peso del terror que su historia debería tener. La película tiene momentos prometedores: un diseño sonoro que resalta los ecos de un hospital vacío y una atmósfera que, en sus mejores momentos, logra inquietar. Pero a medida que avanza, los clichés se acumulan, los jumpscares se vuelven predecibles y la trama no logra profundizar ni en sus personajes ni en la leyenda central. El intento de combinar lo retro con la cultura mexicana resulta en un híbrido que, aunque visualmente atractivo, pierde autenticidad. "Turno Nocturno" es como una fotografía editada con filtros retro: parece interesante a primera vista, pero no tiene el impacto que prometía. Lo que pudo ser una representación única del terror mexicano termina sintiéndose como un intento genérico de subirse a la ola de lo ochentero, dejando a "La Planchada" como una sombra de lo que pudo ser. Ideal para quienes buscan entretenimiento ligero, pero decepcionante para los amantes del terror con identidad.

¡Ah, Disney! Esa fábrica de sueños que no deja de recordarnos por qué amamos a sus personajes mientras, de paso, busca mantenerlos vigentes con secuelas ambiciosas. Moana 2: El Llamado del Mar retoma la historia tres años después de que nuestra intrépida exploradora restauró el corazón de Te Fiti y devolvió a su pueblo el arte de la navegación. Ahora, Moana es una líder consumada y una navegante experta, pero un nuevo desafío aparece cuando descubre pistas sobre islas perdidas, desconectadas durante siglos. Decidida a reunificar su mundo, emprende un viaje que la lleva a enfrentarse al vengativo dios tormenta Nalo, quien ha ocultado una de las claves para salvar estas tierras. La historia combina momentos de humor y acción, con el regreso de personajes entrañables como Maui, quien mantiene su carisma intacto aunque con un rol menos central que en la primera película. Nuevos personajes, como Simea, la hermana menor de Moana, aportan ternura, pero en algunos casos roban demasiado tiempo de pantalla. Los nuevos compañeros de tripulación también añaden variedad, aunque su desarrollo es superficial, y ciertos misterios, como el de Matangi, una misteriosa cambiaformas, parecen más un gancho para futuras entregas que un aporte sólido a la narrativa actual. Sin embargo, si hay algo que la película hace de forma impecable es deslumbrar visualmente. Cada escena es un festín para los ojos, desde las olas cristalinas hasta las imponentes tormentas creadas por Nalo. Las secuencias submarinas son especialmente impactantes, demostrando una vez más el dominio técnico de Disney en la animación. En el apartado musical, la ausencia de Lin-Manuel Miranda se nota. Aunque las canciones, a cargo de Abigail Barlow y Emily Bear, intentan capturar el espíritu del original, solo destacan un par de temas como “Can I Get A Chee Hoo?”. A pesar de ser agradables, la mayoría carece de la pegajosidad que convirtió a How Far I’ll Go en un fenómeno. En general, Moana 2 es un viaje visualmente espectacular que expande el universo de la original, aunque con menos impacto emocional y canciones menos memorables. Sigue siendo una película entretenida y digna para los fans, pero no alcanza el nivel épico de su predecesora. Es un recordatorio de que, aunque Disney sabe mantener a flote sus franquicias, la verdadera magia se encuentra en una buena historia bien contada. Calificación final: 3.5/5